Um Piano na Floresta

Sunset (The Death of Thumbelina)

2010-02-02T18:35:00.000Z

No Rescaldo da Cimeira de Copenhaga...

2010-01-02T18:54:00.000Z

...Nada como uma visão desencantada da ecologia. Rushing to Paradise, do recentemente falecido J.G. Ballard, é um exemplo acabado de como as melhores intenções de alguns em defesa do ambiente, podem ser distorcidas por uma liderança demente e redundar num apocalipse tropical. Ou de como a tentativa de proteger o albatroz de testes nucleares franceses numa ilha remota do Pacífico Sul termina numa espécie de campo de extermínio no paraíso.

1941. Quarteto para o Fim do Tempo - Olivier Messiaen

2009-12-30T12:42:00.003Z

O cenário é o campo de prisioneiros alemão Stalag VIII A em Görlitz (actualmente Zgorzelec, Polónia) em que o compositor francês Olivier Messiaen está internado. A 15 de Janeiro de 1941, cerca de 400 prisioneiros acompanhados por guardas alemães reúnem-se para assistir à estreia do Quarteto para o Fim do Tempo, música de câmara composta por Messiaen para os instrumentistas internados no campo: um clarinetista, um violinista e uma violoncelista. Messiaen juntou-se-lhes ao piano para formar um quarteto invulgar e que constitui hoje a mais famosa peça de música de câmara contemporânea.

Rebecca Rischin (2003) relata na sua obra For the End of Time: The Story of the Messiaen Quartet que um dos guardas alemães do campo, Karl-Albert Brüll, apreciador da música do compositor, proporcionou-lhe condições 'excepcionais' para que pudesse trabalhar. Para além de lápis, borrachas e papel de música, foi permitido a Messiaen isolar-se num quarto vazio com um guarda de plantão à porta para evitar que fosse incomodado (Rischin, 2003; Ross, 2007).

O Quarteto para o Fim do Tempo é uma obra dividida em 8 andamentos, totalizando aproximadamente 50 minutos. Embora o contexto em que foi composta possa sugerir a associação entre o regime Nazi e o apocalipse, a intenção do compositor reporta-se, em abstracto, ao fim do tempo, passado e futuro, e ao início da eternidade. Segundo o próprio Messiaen, o Quarteto é uma espécie de extensão musical da passagem do Livro do Apocalipse (capítulo 10) sobre a descida do sétimo anjo ao som de trombetas consumando o mistério de Deus e anunciando o fim do tempo.

Para ilustrar a obra escolhi o primeiro andamento, intitulado Liturgia de Cristal e descrito pelo próprio Messiaen como representando o canto solitário de despertar às 3 ou 4 da manhã de um melro (o clarinete) e de um rouxinol (o violino) rodeados por um som difuso, por um halo de trinados que se perde pela copa das árvores. Transposto para o plano religioso tal equivale ao silêncio harmonioso do Céu.

Referências:
Rischin, Rebecca (2003) For the End of Time: The Story of the Messiaen Quartet. Ithaca, NY: Cornell University Press.
Ross, Alex (2007) O Resto é Ruído: À Escuta do Século XX. Alfragide: Casa das Letras.

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

Música de 2009

2009-12-18T00:19:00.006Z

Embora 2009 tenha sido um ano com menos entradas neste blog do que era habitual, a música continua omnipresente na minha vida. Seguem-se 10 excelentes álbuns que fizeram parte das minhas escutas regulares ao longo do ano de 2009.

Solo II - António Pinho Vargas

Andrew Bird - Noble Beast

James Blackshaw - The Glass Bead Game

Land of Kush - Against the Day

Timber Timbre - Timber Timbre

Larkin Grimm - Parplar

Elfin Saddle - Ringing for the Begin Again

Ludovico Einaudi - Nightbook

Fire on Fire - The Orchard

Clan of Xymox - In Love We Trust

1942. Sinfonia Nº 7 "Leninegrado" - Dmitry Shostakovich

2009-11-12T16:12:00.001Z

A Sinfonia nº7 de Shostakovich foi escrita em 1941 durante a invasão da União Soviética pela Alemanha Nazi e constitui uma glorificação do espírito de resiliência que caracteriza o ser humano quando colocado perante situações extremas de agressão, sofrimento e desespero. A sua paisagem sonora evoca momentos de conflito, violência e pânico alternados com a desolação, a descrença e a inércia associadas ao sentimento de quem tudo perdeu.

A obra foi estreada em 1942 durante o longo cerco (870 dias) da cidade de Leninegrado e recorreu a todo e qualquer músico que pudesse ser libertado do esforço de guerra, de modo a completar a delapidada Orquestra da Rádio de Leninegrado.

Esta é uma sinfonia de excessos. Musicalmente, oscila entre melodiosos temas pastorais, construídos em torno flautas celestiais, harpa e violino e a violência sonora e marcial, de que é exemplo toda a secção central do primeiro andamento. Os excessos da 'Leninegrado' revelam-se ainda pela sua duração. O primeiro andamento marca uns obscenos 26 minutos e a sinfonia no seu todo regista mais de 75!

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

1943. La Mer - Charles Trénet

2009-08-22T00:55:00.001+01:00

A importância de La Mer de Charles Trénet no contexto da música popular não pode ser de modo algum ignorada. O seu aparecimento em múltiplas ocasiões, desde o cinema à televisão, tornou-a numa das canções mais facilmente reconhecidas da cultura popular. Consistente com esse espírito humilde, Charles Trénet escreveu-a em 10 minutos num pedaço de papel higiénico a bordo de um comboio da Société Nationale de Chemins de Fer Français corria o ano de 1943. A potência da voz de Trénet é evidente e o epílogo quase glorioso provoca-me arrepios de cada vez que o escuto. La Mer (1943) - Charles Trénet (mp3)

As utilizações mais famosas do tema incluem filmes como Lua de Mel, Lua de Fel (de Roman Polanski, 1992), Apollo 13 (de Ron Howard, 1995), O Resgate do Soldado Ryan (de Steven Spielberg, 1998) e Os Sonhadores (de Bernardo Bertolucci, 2003). A canção aparece igualmente em grandes êxitos de televisão como Ficheiros Secretos (1994), Perdidos (2005) e Saturday Night Live (2007). A versão inglesa é cantada por Robbie Williams em À Procura do Nemo (2003), um dos maiores êxitos do cinema de animação. A mais recente aparição do tema ocorre em O Escafandro e a Borboleta (2007), um filme de Julian Schnabel, muito do agrado do meu amigo Pedro e que ainda não tive oportunidade de ver.

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

1944. Appalachian Spring - Aaron Copland

2009-08-16T21:59:00.002+01:00

Appalachian Spring é um bailado comissionado pela Coolidge Foundation a Martha Graham e estreado na Biblioteca do Congresso em Wahsington, DC (1944). A música foi composta por Aaron Copland e, segundo o próprio, retrata a celebração primaveril por parte de um grupo de pioneiros que festeja a conclusão da construção da sua quinta nas colinas da Pensilvânia no início do século XIX. O futuro casal que a irá ocupar sente emoções antagónicas, associadas à alegria e tensão provocadas pelo novel desafio. Os vizinhos mais experientes e o reverendo recordam o casal das incertezas do destino, antes de os deixarem apreciar a paz proporcionada pelo seu novo lar.

O início de Appalachian Spring é inevitavelmente associado ao amanhecer de um novo dia, com um tema pastoral marcado pelos violinos, flauta e harpa. A partir dos 2'15'', a obra torna-se "expressiva", denotando os referidos sentimentos antagónicos de felicidade e inquietação face ao futuro, sendo que o tema inicial regressa pouco depois.

A secção mais famosa da obra, porém, é a sétima, um conjunto de variações sobre 'Tis the Gift to Be Simple', um hino religioso composto originalmente pelo Elder Joseph Brackett em 1848. Um excerto de Appalachian Spring com este tema pode ser escutado aqui:

1945. Concerto para Piano Nº 3 - Béla Bartók

2009-08-10T21:24:00.001+01:00

Quando contextualizado na obra de Béla Bartók, o Concerto para Piano nº 3 é invulgarmente melódico e acessível, sobretudo se comparado com os dois primeiros Concertos para Piano, nos quais as teclas servem mais a função de percussão do que de melodia (1). Dir-se-ia que Bartók renega parte do seu passado, optando por uma melodia mais leve, ao estilo neoclássico, o que é sobretudo notório no segundo andamento (Adagio Religioso), um coral com evidentes influências de Beethoven (2).

Este cariz mais ligeiro da obra parece ter-se ficado a dever a uma combinação de eventos que animaram Bartók após os primeiros anos de exílio nos Estados Unidos na sequência do eclodir da 2ª Guerra Mundial. A sua situação financeira recuperou com o sucesso do Concerto para Orquestra e a sua saúde melhorou temporariamente. O facto do Concerto para Piano nº3 ser dedicado à sua segunda mulher, a pianista Ditta Pásztory pode ajudar igualmente a explicar o carácter de menor complexidade da obra, especulando-se que Bartók desejava que Ditta fosse capaz de interpretar a peça após a morte do compositor.

Um certo optimismo transparece por toda a obra, talvez também como resultado da expectativa de Bartók em regressar à pátria da qual tinha sido afastado em consequência da 2ª Guerra Mundial. Infelizmente, Bartók viria a falecer em Nova Iorque, em Setembro de 1945, vítima de leucemia, sem ter tido a oportunidade de concretizar esse desejo. O Concerto para Piano Nº3 viria a ser concluído pelo seu discípulo Tibor Serly.

(1) Posslac, Cris. 1994. Bartók Piano Concertos Nºs 1-3, Jeno Jandó, Piano, Budapest Symphony Orchestra, András Ligeti, Conductor. Naxos Edition 8.550771.
(2) Morgan, Robert P. 1991. Twentieth-Century Music. New York, NY: W. W. Norton & Company, pp. 179-186.

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

Depeche Mode: Previsão do Alinhamento

2009-07-11T00:50:00.000+01:00

1.In Chains
2.Wrong
3.Hole To Feed
4.Walking In My Shoes
5.It's No Good
6.A Question Of Time
7.Precious
8.Fly On The Windscreen
9.Little Soul
10.Home
11.Come Back
12.Peace
13.In Your Room
14.I Feel You
15.Policy Of Truth
16.Enjoy The Silence
17.Never Let Me Down Again
Encore:
18.Stripped
19.Master And Servant
20.Strangelove
Encore 2:
21.Personal Jesus
22.Waiting For The Night

PS: Como previsão do alinhamento até nem estaria má, mas um pé partido em Bilbao e tudo fica "em águas de bacalhau". Ainda não é desta que os Depeche Mode tocam no Porto. Segunda tentativa, segundo concerto cancelado. Não creio em bruxas, mas...

D.M. a caminho

2009-07-05T15:27:00.005+01:00

Se eu disser que a expectativa é grande estou a ser modesto...

1946. La Vie En Rose - Edith Piaf

2009-06-13T18:58:00.001+01:00

O ano que se seguiu ao final da II Guerra Mundial foi, compreensivelmente, o ano de La Vie en Rose. É na inconfundível voz anasalada de Edith Piaf que La Vie en Rose nasce pela primeira vez, com música de Louis Gugliemi e letra da própria Piaf. Embora seja uma chanson d' Amour, ao tema está também associado o optimismo inerente ao fim do conflito, marcando um momento a partir do qual tudo é possível e a vida só pode melhorar.

Des yeux qui font baisser les miens
Un rire qui se perd sur sa bouche
Voilà le portrait sans retouche
De l'homme auquel j'appartiens

Quand il me prend dans ses bras
Il me parle tout bas
Je vois la vie en rose

Il me dit des mots d'amour
Des mots de tous les jours
Et ça me fait quelque chose

Il est entré dans mon cœur
Une part de bonheur
Dont je connais la cause

C'est lui pour moi, moi pour lui
Dans la vie
Il me l'a dit, l'a juré pour la vie

Et dès que je l'aperçois
Alors je sens en moi
Mon cœur qui bat

Des nuits d'amour à ne plus en finir
Un grand bonheur qui prend sa place
Les ennuis, les chagrins s'effacent
Heureux, heureux à en mourir

Quand il me prend dans ses bras
Il me parle tout bas
Je vois la vie en rose

Il me dit des mots d'amour
Des mots de tous les jours
Et ça me fait quelque chose

Il est entré dans mon cœur
Une part de bonheur
Dont je connais la cause

C'est toi pour moi, moi pour toi
Dans la vie
Il me l'a dit, l'a juré pour la vie

Et dès que je l'aperçois
Alors je sens en moi
Mon cœur qui bat

A lista de nomes que recriaram a canção inclui Cyndy Lauper, Ella Fitzgerald, Louis Armstrong, Amália Rodrigues (!), Luciano Pavarotti, entre muitos outros.

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

Lets Grow Old Together...

2009-05-29T01:52:00.003+01:00

A comparação com os Joy Division é demasiado óbvia. Mais interessante é ouvir Duran Duran no refrão de To Lose My Life, Adrian Borland (The Sound) na voz e anos 80 espalhados por todo o álbum.

Música Suave e Idealismo

2009-05-17T15:30:00.003+01:00

Antony Hagerty deslumbrou todos os que ontem à noite se deslocaram ao Theatro Circo em Braga. A sua música centrada no piano e acompanhada por dois violinos, violoncelo, baixo e guitarra eléctrica ou clarinete (alternadamente) seduz todos os ouvidos por onde passa e a sua suavidade contrasta, por vezes de forma chocante, com as letras controversas dos temas interpretados. A inquietude em Another World, o masoquismo e a violência doméstica em Cripple and the Starfish, ou a ambiguidade de género em For Today I Am a Boy e I Fell in Love with a Dead Boy demonstram que Antony não hesita nas palavras necessárias para veicular uma mensagem, mas o concerto torna também evidente que a música não tem que ser transtornada ou violenta para transmitir a essa mesma mensagem.

Os pontos altos do concerto foram, a meu ver, Kiss My Name, pela execução luxuosa das cordas, The Crying Light, pela simplicidade da voz e piano e Shake That Devil pela improvisão que se lhe seguiu. A minha maior surpresa foi a excelente interpretação de Hope Mountain, acompanhada pela explicação impressionista do próprio Antony sobre como o suave teclar do piano significaria a segunda vinda de Cristo, reincarnado como mulher, caminhando sobre as águas num rio do Afeganistão.

Alinhamento:

1. Where Is My Power?

2. Her Eyes Are Underneath the Ground

3. Epilepsy Is Dancing

4. One Dove

5. For Today I Am a Boy

6. Kiss My Name

7. Everglade

8. Another World

9. Shake That Devil

10. The Crying Light

11. I Fell in Love With a Dead Boy

12. Fistful of Love

13. You Are My Sister

14. Hope Mountain

15. Twilight

16. Aeon

----

17. Cripple and the Starfish

18. Hope There's Someone

Antony and the Johnsons

2009-05-12T21:52:00.006+01:00

Os bilhetes estão comprados há três meses. Sábado é a grande noite. Antony and the Johnsons ao vivo no Theatro Circo.

A fotografia apresenta uma previsão do alinhamento. O conjunto de temas anuncia-se fenomenal, sendo este Shake That Devil um dos pontos altos.

1947. Abril em Portugal (Coimbra) - José Galhardo/ Raul Ferrão

2009-05-09T13:18:00.001+01:00

Antes de ser acusado de ignorar integralmente a música portuguesa, resolvi prestar homenagem a um dos temas mais universalmente consagrados: Abril em Portugal (Coimbra). Com letra de José Galhardo e música de Raul Ferrão, este tema já foi interpretado por Jane Morgan, Eartha Kitt, Perez Prado & His Orchestra, Les Baxter & Orchestra, entre muitos outros. Mais de 60 anos após a sua composição, Abril em Portugal é, quase de certeza, o tema composto por portugueses com maior número de versões, o que o transporta para um patamar de relevo único.
A versão escolhida para integrar este post é, e não poderia deixar de o ser, a de Amália Rodrigues:

1948. Sonatas e Interlúdios para Piano Preparado - John Cage

2009-05-04T23:25:00.000+01:00

Os puristas acusaram-no de ser um "destruidor de pianos", mas a palavra "génio" é manifestamente insuficiente para descrever o americano John Cage (1912-1992). Admirador de Arnold Schoenberg e influenciado pelo Budismo Zen, John Cage teve como objectivo de vida explorar a utilização musical do ruído, numa tentativa de se distanciar da composição musical enquanto forma de comunicação.

Em 1940, quando instado a compor uma peça de dança para um teatro com espaço insuficiente para um ensemble de percussão, Cage conclui que o problema era do piano e não da sala. Assim, decide introduzir vários objectos entre as cordas do piano - elásticos, porcas, parafusos, borrachas, entre outros - que permitem ao pianista produzir um conjunto de sons semelhantes a um ensemble de percussão.

Lutando contra os preconceitos associados à composição, Cage procurou que esta dependesse mais das escolhas do executante e do contexto da interpretação do que das escolhas prévias do compositor. Em 4'33'' (1952) o silêncio impera durante os 4 minutos e 33 segundos de duração da peça, em que o pianista permanece sentado, imóvel, em frente ao piano. Tal facto torna a peça integralmente dependente dos ruídos aleatórios produzidos na sala (tosse, espirros, ranger de cadeiras, bater de portas, entre outros ruídos da audiência), o que conduz a que cada interpretação seja única e irrepetível.

As Sonatas e Interlúdios para Piano Preparado foram compostas durante 2 anos e terminadas em 1948. A sonoridade oscila, segundo o próprio Cage, entre as influências da música ocidental nos sons semelhantes a sinos e as da música oriental, sugerida pelos sons de tambores. De um modo geral, a harmonia musical encontra-se ausente, sendo a estrutura rítmica a preocupação central. Cage comparou a composição desta peça ao caminhar pela praia à descoberta de conchas e búzios que nos agradam. À medida que explorava o piano preparado, retinha as sonoridades que combinavam com a estrutura rítmica, abandonando as restantes. No limite deste método, Cage acaba por deixar cair toda a intencionalidade da composição para privilegiar a aleatoriedade.

A melhor performance disponível no You Tube das "Sonatas e Interlúdios" é de Tim Ovens a interpretar a Sonata IV. O vídeo demora um pouco a carregar, mas vale a pena apreciar a preparação técnica do piano.

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

1949. Birth of Cool - Miles Davis

2009-04-06T21:54:00.002+01:00

As obras verdadeiramente revolucionárias resultam frequentemente de uma conjugação única de factores. Birth of Cool não é, sob esse aspecto, uma excepção à regra. Depois de ter surgido duas vezes neste projecto (1969 e 1959), Miles Davis volta a aparecer, desta vez em 1949, com mais um trabalho de vanguarda. Desta vez, Miles opera a transição do jazz "clássico", associado ao bebop, para o jazz "moderno", na vertente cool jazz. A importância desta obra é particularmente notória no desenvolver de um novo estilo de jazz na Califórnia, que ficou conhecido como West Coast jazz e que terá Dave Brubeck e Chet Baker como alguns dos expoentes.

Gravado maioritariamente em 1949, Birth of Cool é um álbum luxuoso sob o ponto de vista orquestral, marcado pela colaboração de Gil Evans com o grupo de 8 músicos que acompanha Miles Davis (trompete): Mike Zwerin (trombone), Bill Barber (tuba), Junior Collins (trompa), Gerry Mulligan (saxofone barítono), Lee Konitz (saxofone alto), John Lewis (piano), Al McKibbon (baixo) e Max Roach (bateria).

Para os leitores e ouvintes que têm maior dificuldade com o jazz, esta será uma óptima forma de começar neste género, dado que Birth of Cool possui ritmos de swing, toques clássicos e sonoridades easy listening. No disco destacam-se os tema Jeru, Move e Boplicity, com este último a aparecer em destaque nesta selecção retirada do You Tube:

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

1950. Pure Ella - Ella Fitzgerald

2009-03-31T21:48:00.002+01:00

A voz cristalina e a invulgar longevidade de Ella Fitzgerald justificam plenamente a utilização do termo diva para descrever esta magnífica mulher do jazz. Depois de Billie Holiday (1958) e Sarah Vaughan (1952), Ella Fitzgerald é a terceira grande voz feminina do jazz a aparecer nesta lista.

Em Pure Ella, a voz de Ella Fitzgerald e o piano tocado por Ellis Larkins reunem-se de forma mágica para interpretar temas compostos por George Gershwin e letras de Ira Gershwin. Destaca-se a memorável interpretação de Someone To Watch Over Me, assim como a suavidade de But Not For Me.

Ella Fitzgerald - But Not For Me

1951.Concerto para Piano e Orquestra Nº 2 - Lukas Foss

2009-03-24T23:55:00.000Z

Lukas Foss faleceu no início do mês de Fevereiro de 2009, aos 86 anos. Foss tinha 28 anos quando concluiu o seu segundo concerto para piano e orquestra, uma obra de grande fôlego e revelando uma maturidade muito superior à do seu antecessor, que sofre de típicos defeitos de juventude, já que foi composto aos 17 anos.

Após uma longa introdução da orquestra, o piano entra, solitário, aos 3 minutos e 20 segundos do primeiro andamento, fortemente marcado pelas tonalidades da América dos espaços abertos, das grandes distâncias e da natureza em bruto. Em contraste, o segundo andamento segue um registo adagietto, de uma musicalidade esparsa e mais próxima da sonoridade cinematográfica. Mas é o terceiro andamento que representa o ponto alto desta obra, sobretudo a cadenza, que o próprio Lukas Foss definiu como "louca e obsessiva"(1), realçando o virtuosismo necessário à sua execução.

Entre as influências do compositor americano contam-se Paul Hindemith e, numa fase mais adiantada da sua obra, Igor Stravinsky. Este Concerto para Piano e Orquestra segue a forma do Concerto para Piano e Orquestra Nº5 (Imperador) de Ludwing Van Beethoven, mas as influências sonoras são claramente de Stravinsky, que Lukas Foss conheceu pessoalmente pela altura da première desta obra e de quem mais tarde se tornaria amigo.

(1) Lukas Foss, notas da edição Piano Concertos / Elegy for Anne Frank. Jon Nakamatsu (piano), Yakov Kasman (piano), Lukas Foss (piano), Eliza Foss (narrador), Pacific Symphony Orchestra /Carl St. Clair (maestro). Harmonia Mundi, 2001.

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

1952. In Hi-Fi - Sarah Vaughan

2009-03-07T14:47:00.001Z

Os anos 50 marcam o encontro de três divas do jazz - Billie Holiday, Ella Fitzgerald e Sarah Vaughan. Das três, a vocalista e pianista Sarah Vaughan (1924-1990) foi a que teve a vida mais equilibrada e menos marcada por traumas de infância, adolescência e jovem adulta. Por altura do lançamento de In Hi-Fi, em 1952, já Sarah era uma veterana dos blues e do jazz, apesar de ter apenas 28 anos.

O álbum é uma magnífica selecção de clássicos do jazz, incluindo Nice Work If you Can Get It, Can't Get Out of this Mood e Ain't Misbehavin', e conta com a participação de Miles Davis no trompete. As composições alternam o small ensemble com a orquestra alargada em estúdio, mas em todas elas sobressai a voz emotiva, sofisticada e segura de Vaughan.

Come Rain or Come Shine - Sarah Vaughan & Miles Davis:

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

1953. Sinfonia Nº 10 - Dmitri Shostakovich

2009-02-28T14:40:00.002Z

A Sinfonia Nº10 de Dmitri Shostakovich marca a reabilitação do compositor na União Soviética, graças à morte de Josef Staline em 1953. O final do quarto andamento é, diz-se, um retrato musical do ditador, realçando a sua brutalidade e sugerindo a "banalidade do mal"(1). A utilização do metrónomo num ritmo alucinante é a marca distintiva da gravação dirigida por Herbert Von Karajan, que conduz a Orquestra Filarmónica de Berlim a uma performance memorável.

O Allegro do 2º andamento desperta em mim sentimentos intensos, furiosos, quase violentos. Tal não surpreende. Nesse sentido, o contraste entre andamentos dificilmente poderia ser mais pronunciado. Por contraposição, o primeiro andamento é de uma beleza melódica trágica, marcado por oscilações entre a contenção sinistra e as explosões sonoras de contornos épicos. Há qualquer coisa de verdadeiramente inquietante neste primeiro andamento, em que o cronómetro ultrapassa os 22 minutos. Não sei se é a ausência de uma estrutura facilmente apreensível nas primeiras audições, ou o "sentimento avassalador de uma angústia sublimada" (2) de que falam as críticas à obra. Mas é impossível não sentir essa inquietude perante música tão densa e crispada.

1. Moderato (mp3 excerto)

2. Allegro (mp3 excerto)

3. Allegretto

4. Andante - Allegro

(1) Solomon Volkov, Testimony: The Memoirs of Dmitri Shostakovich, Limelight Editions, 2004.
(2) Richard Osborne, notas da edição Shostakovich, Symphony nº10 in E Minor, Op.93, Berliner Philarmoniker conducted by Herbert Von Karajan, Deutsche Grammophon, 1981

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

1954. Louis Armstrong Plays W.C. Handy

2009-02-07T14:43:00.000Z

Louis Armstrong é provavelmente o mais famoso músico de jazz de todos os tempos. Na interpretação dos temas mais famosos de W.C.Handy, considerado o pai dos blues, o vocalista e trompetista atinge níveis de intensidade, perfeição e exigência só acessíveis a um predestinado. A orquestração é excelente e a produção límpida ao ponto de permitir aos restantes músicos um lugar de destaque para além do próprio Louis, com particular destaque para Barney Bigard no clarinete e Billy Kyle no piano. Os duetos de Louis com a voz encantadora de Velma Middleton transmitem a química das grandes parcerias, sobretudo em Lovess Love, Long Gone (from the Bowlin' Green) e na épica versão de St. Louis Blues.

Ouvir os blues de W.C.Handy interpretados por Louis Armstrong and His All-Stars é quase uma experiência religiosa, porque deve ser saboreada em condições apropriadas. Um sofá confortável, um Jack Daniels na mão e a ausência de companhia, são indispensáveis para poder disfrutar dos blues na sua plenitude. A tristeza toma outra dimensão quando é partilhada, ainda que seja discutível se ela aumenta ou diminui em função dessa partilha. Tal como a partilha da tristeza não nos deixa indiferentes, o mesmo se pode dizer deste disco memorável, uma das últimas grandes interpretações de Louis Armstrong.

A gigantesca versão de Saint Louis Blues, uma das melhores de todos os tempos, pode ser escutada integralmente no You Tube:

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

Euforia

2009-01-14T18:48:00.007Z

Changing Your Strut When You Know I'm Behind You
Changing Your Ways Cause You Don't Know What To Do
I Only Wanna Tell You
How I Feel Inside
If Only You Could Listen
Try To Change Your Mind

So I Walk Right Up To You
And You Walk All Over Me
And I Ask You What You Want
And You Tell Me What You Need
Can't You Feel It All Come Down
Can't You Hear It All Around
At The Place Where Lost Is Found
That Great Love Sound

Talking To You Makes Me Wanna Shake And Shout
Touching You Makes Me Wanna Come Right Out
You Could Never Want Me
The Same Way I Want You
I'm Love Tornado Struck
I Don't Know What To Do

1955. Maybellene - Chuck Berry

2009-01-10T15:42:00.002Z

A Rolling Stone disse que o rock'n'roll começou aqui. A importância de Chuck Berry no nascimento do rock'n'roll é por demais evidente. Os acordes simples, a energia debitada, a produção caseira e as letras sobre carros e mulheres apontaram o caminho para o garage rock e para o rockabilly, catapultaram Elvis Presley para o estrelato, influenciaram bandas memoráveis como Pixies, Jesus and The Mary Chain ou Straycats e ainda hoje têm dignos descendentes nos Black Rebel Motorcycle Club ou The Raveonettes.

Maybellene é uma canção simples, directa, com apenas 2 minutos e 21 segundos, mas o seu impacto ultrapassa em muito a sua qualidade intrínseca. É a atitude rock'n'roll que nasce com esta canção e ignorar esse impacto é esquecer que toda a música popular tem uma dívida para com nomes fundadores como Chuck Berry. A justiça tem sido feita ao longo dos anos, com inúmeras homenagens e referências no contexto da cultura popular. Por exemplo, quem não se recorda de Michael J. Fox a fazer de Marty McFly em Regresso ao Futuro (1985) a tocar Johnny B. Good em 1955 em frente a uma plateia de teenagers atónitos?

Maybellene (mp3) - Chuck Berry

Vazio

2009-01-04T15:33:00.005Z

Rooms by the Sea (1951) by Edward Hopper

Música: Popstar Researching Oblivion by Flotation Toy Warning (mp3)

1956. Elvis Presley - Elvis Presley

2009-01-03T14:52:00.002Z

Elvis Presley foi um pioneiro. Mesmo não sendo apreciador dos primórdios do rock'n'roll, tenho de admitir que a sua influência ultrapassa em muito a sua geração. Na verdade, o gingar de ancas de Elvis fez mais pelo progresso da música popular contra as mentalidades conservadoras e estagnadas do que Lennon e Ono nus na cama pela paz, o arrancar da cabeça de um periquito vivo por Ozzy Osborne ou o soutien cone de Jean-Paul Gautier usado por Madonna.

A atitude rebelde, anti-sistema, seria retomada nos primórdios do punk-rock, em particular na versão que casou com sucesso a música e a atitude, como foi o caso dos The Clash. A admiração da banda de Joe Strummer por Elvis era tão grande, que até a capa de London Calling é um tributo.

O primeiro disco de Elvis Presley foi editado em 1956 e tem título homónimo. São apenas 28 minutos, mas o poder avassalador desta música para partir corações e provocar revoluções é evidente desde a abertura com Blue Suede Shoes (mp3). Nenhum dos temas foi escrito por Elvis, mas as suas interpretações tornaram-se hinos para uma geração de teenagers brancos da América que nunca tinham ouvido coisa semelhante.

Blue Suede Shoes (mp3); Trying to Get to You (mp3); Blue Moon (mp3).

1957. Such Sweet Thunder - Duke Ellington

2008-12-31T16:40:00.000Z

A homenagem de Duke Ellington a William Shakespeare tomou o formato de uma suite orquestral inspirada em personagens e peças de teatro do dramaturgo inglês. A união da música de Ellington com o teatro de Shakespeare pode parecer, à partida, algo estranha, já que as suas obras se encontram separadas por quase 400 anos. Mas, segundo relata John Edward Haase em Beyond Category - The Life and Genius of Duke Ellington, tal como Shakespeare escreveu para a mesma companhia de teatro e para os mesmos actores durante 19 anos, também Ellington compôs quase exclusivamente para os músicos da sua orquestra durante quase 50 anos.

Para além do brilhante The Star-Crossed Lovers inspirado em Romeu e Julieta, destacam-se igualmente nesta obra Madness In Great Ones retratando a loucura de Hamlet e as três bruxas de Macbeth em The Telecasters.

Duke Ellington - The Star-Crossed Lovers

1958. Lady in Satin - Billie Holiday

2008-12-27T22:58:00.000Z

Com uma vida marcada pela controvérsia, associada aos desgostos amorosos, ao abuso do álcool e das drogas e às relações problemáticas com a justiça, Billie Holiday é a primeira diva do jazz a aparecer no Projecto 200 anos de música. É também o primeiro disco de jazz cantado a merecer referência, ainda que possa ser altamente questionável que se trate de jazz... mas adiante!

A voz de Billie Holiday transmite tristeza. Quando gravou Lady In Satin, o seu penúltimo álbum de estúdio, Billie já não tinha a voz de outrora, mas o disco é tocante pela emoção arrebatada que transmite, sublimada pelo acompanhamento da orquestra de Ray Ellis, que dá aos temas uma sonoridade quase celestial. O que se perde em vitalidade na voz de Billie é ganho em maturidade. Ao ouvir Lady In Satin fico com a sensação que Billie já viveu mais do que qualquer um de nós, simples mortais, poderá algum dia aspirar a viver. É uma voz carregada de sentimento, de intensidade, de emoção e premonitória do fim... Billie Holiday morreria menos de um ano após esta gravação, deixando para a posteridade um disco de uma beleza dificilmente igualável por qualquer outra voz do jazz.

I'm a Fool to Want You, escrito por Frank Sinatra, é o tema de abertura:
Billie Holiday - I'm a fool to want you

The End of a Love Affair fecha o disco:
Billie Holiday - The End of a Love Affair

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

Sonho

2008-12-26T21:20:00.003Z

Western Motel (1957) by Edward Hopper

1959. Kind of Blue - Miles Davis

2008-12-24T14:10:00.000Z

"Não aprecio jazz..." Se os leitores se identificam com a afirmação, talvez devam considerar ouvir esta obra-prima de Miles Davis. Responsável por sucessivas reinvenções no âmbito da música jazz, Miles Davis já era um músico consagrado quando gravou e editou Kind of Blue (1959). O sexteto que gravou o disco é a combinação perfeita de músicos de jazz: Miles Davis (trompete), John Coltrane (saxofone tenor), "Cannonball" Adderley (saxofone alto), Bill Evans (piano), Paul Chambers (baixo) e Jimmy Cobb (bateria).

O álbum enquadra-se no jazz modal e foi um dos primeiros a romper com o estilo bebop, dominado pelo objectivo dos músicos tocarem o mais rápido possível sobre os acordes de cada tema, improvisando harmonias cada vez mais complexas. Ora, no jazz modal de Kind of Blue, a melodia predomina, a música é muito mais esparsa e o som muito menos preenchido do que acontece no jazz típico dos anos 40 e 50, sobretudo com Charlie Parker e Dizzy Gillespie.

Por essa razão, em termos emocionais, o jazz de Kind of Blue é mais relaxante e menos "stressante", permitindo ao ouvinte desligar-se dos problemas do seu dia-a-dia e mergulhar nesta massagem auditiva. Kind of Blue promove a nostalgia, aguça as emoções e seduz os sentidos, mas está muito longe de ser um disco deprimente. Pelo contrário, ouvido em boa companhia, Kind of Blue é um disco romântico, sensual e fisicamente estimulante. Quase apetece dizer que, se por altura do último tema, Flamenco Sketches, ainda não vos apeteceu tirar a roupa ao(à) parceiro(a), há qualquer coisa de errado na vossa relação! Se quiserem fazer a experiência, aqui ficam links para o download (quase) integral do álbum. Bom proveito!

So What (mp3)
Blue in Green (mp3)
All Blues (mp3)
Flamenco Sketches (mp3)

Se estiverem interessados em compreender o contexto em que surge Kind of Blue, podem escutar um excerto de 4 minutos do documentário Ken Burns Jazz em que o disco é analisado.

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

Abandono

2008-12-22T17:59:00.001Z

Summer Interior (1909) by Edward Hopper

Música: Summertime - Scarlett Johansson (mp3)

1960. Apache - The Shadows

2008-12-20T16:02:00.003Z

Falar de Apache dos The Shadows é falar da minha infância. O meu gosto pela música foi muito influenciado pelo meu pai. As suas preferências oscilam entre a música clássica do período romântico e o pop-rock dos anos 60, sobretudo dos Beatles e dos Shadows. Os instrumentais dos The Shadows são algumas das primeiras músicas que me lembro de ouvir tocar no gira-discos e no leitor de cassettes do meu pai. O seu gosto pelos Shadows explica a paixão conjunta que, mais tarde, desenvolveríamos pelos Dire Straits, em particular pela forma de tocar guitarra de Mark Knopfler.

Apache (1954), um filme de Robert Aldrich, foi a inspiração de Jerry Lordan para compor o tema numa versão para ukelele e que os Shadows adaptaram e gravaram pela primeira vez em 1960. O ritmo tribal da bateria, o baixo inebriante e o galope sugerido pela guitarra twang dão a Apache uma sonoridade tão distintiva que até pessoas indiferentes à música reconhecem o tema quando o escutam.

Apache (1960) - The Shadows (mp3)

Apache (1973) - The Incredible Bongo Band (mp3)

Apache (1998) - Fat Boy Slim (mp3)

Os portugueses GNR prestaram uma espécie de tributo aos Shadows plagiando subtilmente o riff de Apache em Hardcore (1º Escalão) do excelente álbum Independança (1982). Embora seja mais notório no original, podem tentar descobrir os compassos roubados aqui:

Solidão

2008-12-18T00:02:00.005Z

Nighthawks (1942) by Edward Hopper

1961. Out of the Cool - The Gil Evans Orchestra

2008-12-17T23:10:00.001Z

A música contida em Out of the Cool é impressionista. Ao ouvir os 15 minutos de La Nevada ficamos com a nítida sensação que efectivamente neva lá fora. Gil Evans consegue neste tema um balanço sólido entre o pouco que é composto e o muito que é improvisado, ainda que o meu coração balance fortemente a favor dos longos momentos de improvisação. A sonoridade é original, fundindo a improvisação típica dos small ensembles de jazz com as texturas mais densas proporcionadas pelo grupo mais alargado de 14 músicos que compõe a Gil Evans Orchestra.

Assim, não se tratando de um álbum de jazz convencional para a época, Out of the Cool marca um período em que as fronteiras do jazz se expandem, como já havia ficado demonstrado no ano anterior com a colaboração entre Miles Davis e Gil Evans no excelente Sketches of Spain. Este último quebrou barreiras musicais com a famosa interpretação do segundo andamento do Concerto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo numa versão que funde o jazz, a orquestra e o folk espanhol. Em Out of the Cool, as influências são ainda mais vastas, com óbvios contornos dos blues em Stratusphunk, do West Coast jazz em Where Flamingos Fly e da música latino-americana no já referido La Nevada.

Podem escutar excertos de Out of the Cool da Gil Evans Orchestra aqui.

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

1962. Coltrane - John Coltrane

2008-12-14T19:18:00.002Z

John Coltrane foi o melhor saxofonista de todos os tempos. Em Coltrane, o seu quarteto interpreta originais do músico (Tunji e Miles' Mode) ao lado de versões de clássicos, como é o caso de Soul Eyes. O quarteto é composto por Coltrane nos saxofones, tenor e soprano, McCoy Tyner no piano, Jimmy Garrison, agora como baixista permanente e Elvis Jones na bateria.

O tema de abertura - Out of This World - é um portento de energia, empenho e arrebatação. Durante mais de 14 minutos, o quarteto expõe o original de Arlen e Mercer com elementos de improvisação típicos da obra de Coltrane e que constituem a sua marca no jazz e os que mais se destacam na sua interpretação de clássicos do jazz. Se é verdade que Coltrane é um disco com uma sonoridade mais conservadora na obra do saxofonista, também não é menos verdade que Out of This World demonstra a incrível capacidade de entrega que sempre caracterizaram o músico nascido na Carolina do Norte.

Embora Coltrane não seja o disco mais marcante da carreira do saxofonista, perdendo esse estatuto para os excelentes Blue Train (1957) e A Love Supreme (1964), ainda é o disco que mais ouço. Permite-me ter o melhor dos dois mundos: o John Coltrane das longas improvisações ao lado do John Coltrane mais acessível em termos melódicos. O melhor exemplo desta segunda vertente é a interpretação lânguida e sensual de Soul Eyes, um original de Mal Waldron.

Na impossibilidade de encontrar interpretações originais em vídeo de temas do álbum, optei por escolher uma interpretação pelos mesmos músicos do tema Afro Blue (1960):

Hoje...

2008-12-13T02:21:00.003Z

37 anos a amar a vida!

1963. Ring of Fire - Johnny Cash

2008-12-09T21:47:00.002Z

Para ouvir música em 1963, este era o formato de eleição. Entre a música popular, os LPs não tinham ainda a reputação que vieram a ganhar mais tarde, pelo que os 45 rotações, vulgo singles, eram o formato do dia. Este, em particular, foi um bocadinho mais importante do que os outros. Este é Ring of Fire de Johnny Cash, o poeta maldito da música country americana, que ficou conhecido como Homem de Negro. Apesar de todos os demónios que o atormentaram, ou, se calhar, graças a eles, Johnny Cash foi capaz de compor temas sobre Amor, Deus e Morte como nenhum outro músico seu contemporâneo.

À primeira vista, e pelo título, Ring of Fire não parece uma canção de amor, mas antes uma dissertação sobre motoqueiros a investir contra aneis de fogo. Nada de mais errado. A letra é inequívoca: Love is a burning thing / And it makes a firery ring / Bound by wild desire / I fell in to a ring of fire... Cercado pelo desejo, não resta outra solução que não seja mergulhar num anel de fogo, uma imagem que transmite a sensação de alguém que se apaixona perdidamente. E continua: The taste of love is sweet / When hearts like our's meet / I fell for you like a child / Oh, but the fire went wild... O sabor do amor é doce quando os nossos corações se tocam, apaixonei-me irremediavelmente e o fogo consome(-me) sem limite.

As letras simples, mas poderosas, cantadas com a voz impressionante de Cash e acompanhadas pelas sonoridades do Sudoeste americano que tanto adoro, são um cocktail musical perfeito. A influência da canção é comprovada por mais de 70 versões registadas na Wikipedia, incluindo nomes tão distintos como Bob Dylan, Frank Zappa, Ray Charles, Blondie, Social Distortion, entre muitos outros.

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

Caros visitantes do fim-de-semana prolongado...

2008-12-06T23:14:00.008Z

...tirem 10 minutos do vosso tempo para apreciarem Festival (mp3) dos Sigur Ròs. É por sons como estes que considero a música como a forma mais bela de expressão dos sentimentos e aquela que mais frequentemente me comove. O crescendo que se inicia aos 5 minutos é sublime, uma explosão de alegria que nos faz acreditar que o impossível é possível!...

Um dos melhores do ano de 2008, sem dúvida alguma!

1964. Getz/Gilberto - Stan Getz e João Gilberto

2008-12-05T18:40:00.007Z

1964 é o ano de lançamento do disco que tornou a bossanova conhecida à escala mundial. O saxofonista americano Stan Getz e o guitarrista brasileiro João Gilberto formaram a dupla que fundiu o jazz e o samba num estilo inconfundível e cuja dimensão só pode ser compreendida devidamente mais de quatro décadas após a sua edição. A voz de Astrud Gilberto é o açúcar que nos vicia no género e adoça o consumar do amor ao som desta música. Os sons da bossanova são ternos e românticos, uma verdadeira linguagem universal do amor, com a extraordinária vantagem de serem cantados em português. Garota de Ipanema, Desafinado e Corcovado são os temas mais conhecidos do álbum, onde dominam composições de António Carlos Jobim, escritos a solo ou em parceria com Vinicius de Moraes.

A influência mundial do disco e a dimensão do fenómeno bossanova são comprovadas seguramente pelas centenas de artistas e versões dos temas mais conhecidos e o seu impacto na carreira de milhares de artistas dificilmente poderá ser comprovado apenas pelo número de vendas desta obra. A título de exemplo pessoal, quando conheci a Rebecca já ela ouvia bossanova, que posteriormente se revelaria numa influência decisiva na sua carreira musical.

Garota de Ipanema (mp3)
Desafinado (mp3)
Corcovado (mp3)
Doralice (mp3)

1965. Rubber Soul - The Beatles

2008-12-01T17:05:00.002Z

Os Beatles nunca foram uma das minhas bandas favoritas, mas devo reconhecer o seu mérito em atingir diferentes audiências ao longo dos anos, acabando por se tornar no mais famoso agrupamento musical da história. É também importante distinguir os Beatles dos primeiros álbuns, mais comerciais, mais melosos e mais pop, dos Beatles após Rubber Soul, muito mais profundos em termos poéticos e musicais.

Em 1965, longe vão já os tempos de "Love, love me do/You know I love you". Tal não significa que os Beatles se tenham tornado cínicos, o que provavelmente nunca seriam capazes, mas Rubber Soul já não é apenas música pop despreocupada sobre amores correspondidos na adolescência. O tom mudou. O disco é marcado pelas influências da música folk, dos poemas de Bob Dylan e da música do oriente.

Em termos poéticos, o tratamento do amor surge de forma mais pessimista, com relatos ambíguos sobre relações tumultuosas, amores extra-conjugais e vinganças passionais. Embora Norwegian Wood (This Bird Has Flown) constitua o exemplo mais visível das mudanças nas composições da dupla Lennon/McCartney, as canções I'm Looking Through You, Girl e Wait relatam igualmente outro tipo de tensões emocionais presentes numa relação, como sejam as mudanças numa relação produzidas pela passagem do tempo, o desprezo pelo cônjuge em situações sociais ou a distância emocional associada às ausências físicas. A escrita é mais madura e os temas são mais sérios do que era habitual na carreira dos Beatles até então.

Musicalmente, a gama de instrumentos musicais é alargada com a introdução da cítara (Norwegian Wood) e do cravo (In My Life), o que contribui para algum exotismo que sempre valorizo na música pop. Ainda não são as experiências grandiosas, induzidas pelos alucinogéneos, de Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band (1967), mas há definitivamente um progresso que permite vislumbrar uma maturidade em termos de composição e criatividade musical.

Norwegian Wood (mp3)
Nowhere Man (mp3)
Michelle (mp3)
In My Life (mp3)

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

René, René, René II

2008-11-30T19:06:00.002Z

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1966. Portrait - The Walker Brothers

2008-11-29T15:10:00.002Z

Portrait é o segundo álbum dos The Walker Brothers, que não eram irmãos nem se chamavam Walker: Scott Engel, John Maus e Gary Leeds. À partida, os leitores podem pensar tratar-se de uma boys band da época, mas nada de mais errado. O som que caracteriza a banda é dominado pela voz de barítono de Scott 'Walker' e pela secção de cordas luxuosas que saturam todo o som. Ao produzirem uma versão muito própria da famosa wall of sound, criada pelo conhecidíssimo produtor Phil Spector, os The Walker Brothers viriam a influenciar músicos que merecem hoje o máximo respeito dos seus pares, como sejam os Tindersticks, Divine Comedy ou Nick Cave.

Portrait não é um álbum particularmente diferente dos três editados pela banda nos anos 60. Contém temas originais compostos por Scott (Saturday's Child ou I Can See It Now), alternados com clássicos do jazz e dos blues (Summertime, de Gershwin ou People Get Ready, de Curtis Mayfield). A reedição de que sou orgulhoso proprietário inclui ainda os lados A e B dos singles que foram lançados contemporaneamente ao álbum, dos quais se destaca naturalmente The Sun Ain't Gonna Shine Anymore, uma versão do original dos The Four Seasons, que recebe o tratamento habitual da banda e do seu produtor (Bob Crewe), transformando-o no sucesso que ainda hoje é plenamente reconhecido por quem gosta de clássicos da pop.

A brilhante carreira a solo de Scott Walker demonstra igualmente que o sucesso meteórico da banda não foi casual e se propagou no tempo com uma resistência invulgar, sobretudo no que se poderia pensar ser um estilo musical datado. Talvez a principal explicação para semelhante durabilidade resida na voz de Scott Walker, que considero das mais maravilhosas que já escutei.

The Sun Ain't Gonna Shine Anymore (mp3)

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

1967. O Melhor Ano de Sempre da Música Popular

2008-11-19T23:50:00.000Z

O que dizer de 1967? Nunca um único ano gerou tanta música de qualidade. Fortemente coadjuvada pelo consumo maciço de drogas, sobretudo marijuana e LSD, a genialidade deste conjunto de músicos ficaria para a história e influenciaria quase todos os subgéneros musicais e bandas das décadas seguintes.
Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band - The Beatles (8º álbum)
Por várias vezes considerado pela crítica como o melhor álbum de música popular de todos os tempos. A Day in the Life (mp3)
Velvet Underground & Nico - Velvet Underground & Nico (1º álbum)
Da sua influência diz-se que apenas 1000 pessoas adquiriram a edição original, mas quase todas formaram um banda. Capa de Warhol. Heroin (mp3)

The Piper at the Gates of Dawn - Pink Floyd (1º álbum)
Astronomy Domine (mp3) e Interstellar Overdrive deram origem ao subgénero do space rock e transformaram o álbum de estreia dos Floyd numa obra-prima do psicadélico.
The Doors - The Doors (1º álbum)
Música fabulosa tocada e gravada em apenas 6 dias. The End (mp3)
Goodbye and Hello - Tim Buckley (1º álbum)
A voz soturna de Tim Buckley em Phantasmagoria in Two (mp3) é pop deprimente perfeita.
Forever Changes - Love (3º álbum)
O Summer of Love em versão discográfica. Alone Again Or (mp3)
Are You Experienced - Jimi Hendrix Experience (1º álbum)
Tocar guitarra com os dentes e depois pegar-lhe fogo, tanto metafórica quanto literalmente. FoxyLady (mp3)
Their Satanic Majesties Request - Rolling Stones
She's a Rainbow (mp3) desculpa estes dinossauros de todos os seus pecados posteriores.
Surrealistic Pillow - Jefferson Airplane (2º álbum)
Alice cresce e não cresce... Nunca mais olhei para Alice no País das Maravilhas do mesmo modo inocente. White Rabbit (mp3)
Chelsea Girl - Nico (1º álbum a solo)
Música folk de uma fonte inesperada, sobretudo pela influência dos Velvet. I'll Keep It with Mine (mp3)
Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

1968. A Saucerful of Secrets - Pink Floyd

2008-11-17T17:09:00.001Z

Por alguma razão as grandes bandas da música rock se tornaram grandes... No início das suas carreiras fizeram música com que ninguém sonhava. A fase psicadélica dos Pink Floyd é menos conhecida do que a generalidade dos seus trabalhos, mas nem por isso é pouco estimulante. Tal como aconteceria posteriormente, os Floyd iniciais estavam destinados a constituir uma influência para as décadas seguintes.

Let There Be More Light, tema de abertura do álbum A Saucerful of Secrets, foi recentemente alvo de um plágio descarado pela banda canadiana Hrsta, no tema Swallow's Tail do seu trabalho Stem Stem in Electro. Como o plágio é, segundo dizem, "a melhor forma de elogio", seguramente que a banda de Mike Moya tem uma admiração incontida por este álbum dos Floyd. Para ser inteiramente justo, hoje em dia os músicos inventam muito pouco. Tenho um amigo ainda mais fanático por música do que eu, que afirma que toda a música pop-rock foi inventada nos anos 60. Tudo o que se seguiu foi simplesmente redução, reciclagem e reutilização.
Nesse espírito, A Saucerful of Secrets é, como o próprio nome indicia, um maná de ideias para músicos da actualidade. Corporal Clegg é música de feira com uma guitarra distorcida proto-Pixies. Set the Controls for the Heart of the Sun é marcado pela percussão e pela voz quase sussurada de Roger Waters, sob um suave manto de teclas psicadélicas e um baixo em destaque. É completamente invulgar na sua estrutura: tem um nome longo, ausência de letras, presta-se à improvisação e tornar-se-ia um dos favoritos dos Floyd ao vivo nesta primeira fase da sua carreira. A terminar, Jugband Blues é o opus final de Syd Barrett com os Floyd.

Mas é o tema que dá título ao disco que o torna um produto radical para a era em que foi lançado. Os 12 minutos de A Saucerful of Secrets são uma experiência alucinogénica só ultrapassável por The End dos The Doors. Os primeiros 7 minutos são quase cacofonia sonora, difícil de ouvir para a maioria, mas extremamente interessante enquanto exercício de improvisação dissonante. Cada instrumento - guitarra eléctrica, bateria e piano - assume à vez o papel principal na condução do ouvinte para paisagens sonoras inexploradas no contexto do rock e que só têm paralelo nos trabalhos do compositor de música contemporânea György Ligeti. Por esse motivo, é absolutamente surpreendente que, lá pelos 8 minutos, se inicie uma secção final que suaviza tudo o que se ouve anteriormente. A Saucerful of Secrets é quase uma demonstração de como do caos sonoro pode surgir a música mais celestial e melódica, apenas porque os seus autores assim o desejaram.

Set the Controls for the Heart of the Sun (mp3)
A Saucerful of Secrets (mp3)

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

Back to Black...

2008-11-15T14:15:00.006Z

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1969. Bitches Brew - Miles Davis

2008-11-12T01:35:00.002Z

Miles Davis reinventou o jazz várias vezes ao longo da sua carreira, com o seu pecúlio de álbuns originais a roçar a meia centena. De todas as revoluções que operou, a fusão jazz-rock terá sido a mais radical, e aquela que lhe custou o maior número de fãs do "velho jazz". Bitches Brew (1969) é a face mais alucinante dessa revolução, perfeitamente visível no surrealismo da capa e da música.

Escrever sobre este duplo álbum, gravado em 1969, é uma tarefa quase impossível. A música não é melodiosa, previsível ou estruturada. Com duração superior a 20 minutos cada, os dois primeiros temas - Pharaoh's Dance e Bitches Brew - constituem longas improvisações do trompete de Miles Davis sobre um fundo caótico de sonoridades eléctricas, tecidas pelo piano e baixo eléctricos e pelo saxofone soprano. Tentar encontrar padrões melódicos no seio destas imensas improvisações pode ser tarefa hercúlea, sobretudo para ouvidos pouco pacientes para explorar texturas musicais densas.

Pelo que foi escrito no parágrafo anterior, ninguém esperaria que este fosse um best seller. Mas o facto é que Bitches Brew foi o primeiro disco de ouro de Miles Davis, vendendo mais de meio milhão de cópias nos Estados Unidos. Embora não seja um adepto fervoroso da Wikipedia, podem consultar o artigo referente ao álbum para constatarem o seu impacto em termos de inovação, gravação e pós-produção.

Bitches Brew (mp3)
Miles Runs the Voodoo Down (mp3)

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

Everybody gets a little lost sometimes...

2008-10-31T23:54:00.007Z

Bairro alto. Galeria ZDB. 30 de Outubro de 2008.

Depois de uma experiência inesquecível com os Godspeed You Black Emperor! há uns anos atrás no Teatro Sá da Bandeira, desta vez assisti a uma versão stripped-down de um colectivo pós-rock: Thee Silver Mount Zion Memorial Orchestra and Tra-la-la Band with Choir.

A banda de Efrim Menuck é extremamente fluida na forma como se apresenta em palco. Desta vez, guitarra eléctrica, bateria, contra-baixo e dois violinos bastaram para interpretar temas dos álbuns mais recentes do colectivo de Montreal. Antes de mais, dizer que é inacreditável que uma banda quase acústica toque tão alto (!), mas acrescentar que a voz dos seus membros contribui para um caos sonoro permanente, que subsiste mesmo nos momentos mais calmos da interpretação. A razão prende-se com o “choir” de que fala o longo nome da banda, que assume a desarmonia das suas vozes como imagem de marca, levando o ouvinte a questionar-se sobre se não se trata de um puro e simples desafinar colectivo, por sinal bastante competente.

Os ASMZ são polémicos e políticos. Os temas longos e as letras particularmente esparsas escondem, por vezes, o carácter contestatário da banda inspirada de Efrim (na foto). God Bless Our Dead Marines é uma marcha fúnebre que expressa a revolta de uma geração contra o instigar do medo do terrorismo pela Administração Bush. As letras não deixam dúvidas sobre a hipocrisia dos líderes face à mortandade da guerra.

There's fresh meat in the club tonight

God bless our dead marines

Someone had an accident

Above the burning trees

While somewhere distant peacefully

Our vulgar princes sleep

Dead kids dont get photographed

God bless this century

God Bless Our Dead Marines demonstra esta veia intervencionista, embora com um cunho pessoal assumido, o que a torna emocionalmente arrasadora. Cantada de forma apaixonada e sofrida, é difícil ficar indiferente à mensagem. Arrepiei-me quando comecei a escutar este crescendo, simultaneamente épico e funéreo:

Lost a friend to cocaine

A couple friends to smack

Troubled hearts map deserts

And they rarely do come back

Lost a friend to oceans

Lost a friend to hills

Lost a friend to suicide

Lost a friend to pills

Lost a friend to monsters

Lost a friend to shame

Lost a friend to marriage

Lost a friend to blame

Lost a friend to worry and

Lost a friend to wealth

Lost a friend to stubborn pride

And then i lost myself

Quanto à música, há claramente pontos de contacto com as bandas mais conhecidas de Montreal e que gravam no mesmo estúdio Hotel 2 Tango, como sejam os Arcade Fire ou os Godspeed You Black Emperor. No entanto, os ASMZ parecem ter dado um passo atrás, recusando entrar em “excessos” melódicos e preferindo a distorção das guitarras, os riffs dissonantes e a cantoria desafinada como imagem de marca. Por isso mesmo, têm um número de fãs mais diminuto e menos afoito que, apesar da recepção calorosa, estiveram longe de entrar em transe ou histeria colectiva. Um concerto eficaz para quem não conhecia a banda, mas que deixa a chorar por mais quem os adora.

Set List:

1. 13 blues for thirteen moons
2. One million died to make this sound
3. God bless our dead marines
4. Take these hands and throw them in the river
5. There is a light
6. Microphones in the trees

Momentâneo Lapso da Razão

2008-10-26T02:46:00.008Z

Até que ponto é que o cultivo da racionalidade tolhe as emoções do ser humano? Se passarmos grande percentagem do nosso tempo de vigília a usar o cérebro, será que sofreremos uma diminuição das nossas capacidades afectivas?

Se coração e razão forem encarados como um terreno de cultivo com uma área fixa, e os recursos disponíveis para investir forem limitados, os cuidados prestados a uma das plantações implicará o negligenciar da outra, e o consequente fracassar da potencial colheita. Sempre que me concentro por longos períodos de tempo em projectos profissionais, sinto que o meu lado emocional morre um pouco. Tenho de ir comprar fertilizante...

1970. Trespass - Genesis

2008-10-26T01:25:00.002+01:00

Antes de terem a sua reputação musical arruinada pela influência nefasta da carreira a solo de Phil Collins, os Genesis faziam a música mais melódica à face do planeta. Não é apenas um elogio desmesurado da minha parte. Há um espantoso esbanjar de melodias nos primeiros quatro ou cinco álbuns dos Genesis (período de 1970 a 1975) que daria para uma banda pop ter assegurada uma série consecutiva de êxitos de vendas. Os Genesis, porém, articulavam essas melodias em longos temas, pouco ajustados à dimensão de singles, sem se preocuparem com o aparente desperdício melódico presente nos seus LPs de vinil.

Em Trespass (1970), o primeiro álbum "maduro" da banda, as orquestrações são subtis, mas frequentemente luxuosas. Os Genesis alternam momentos de flautas pastorais e com crescendos poderosos sustentados pelas teclas de Tony Banks e na voz firme e suave de Peter Gabriel. Este último é o génio óbvio por trás da criação artística e coreográfica da banda neste período. Não há qualquer tipo de arrogância ou pedantismo subjacente à música, mas a confiança que transparece nas interpretações é inegável.

Trespass é um disco que toca as margens do que viria a ser conhecido como rock progressivo ou prog-rock, mas evita cair na armadilha do facilitismo e dos excessos de orquestração cometidos pelos Yes. A subtileza dos arranjos é sobretudo visível em Stagnation, o meu tema preferido. O tal desperdício melódico atinge aqui a apoteose, através de uma estranha, mas eficaz mistura de folk britânico com rock progressivo. Ah! E as teclas! Aquelas teclas gentis que debitam melodias celestiais umas atrás das outras, como se não houvesse amanhã...

Mas Peter Gabriel e os restantes Genesis ainda têm tempo para se enfurecer em The Knife. Uma mistura explosiva de prog-rock e acelerações típicas de proto-metal. A combinção é extremamente eficaz e permitiu ao tema tornar-se o mais influente do álbum e um favorito ao vivo para a maioria dos primeiros fãs da banda. As interpretações de Gabriel também ajudaram The Knife a assumir o estatuto mítico que merece.

Sem mais delongas, aqui ficam Stagnation e The Knife (numa versão impressionante de 1973, já com Phil Collins na bateria).

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

1971. IV - Led Zeppelin

2008-10-24T22:24:00.001+01:00

O ano de 1971 é especial. O autor deste blog nasceu no mesmo ano em que o quarto álbum dos Led Zeppelin foi lançado. Antes de prosseguirmos, um aviso prévio: não gosto de metal, em qualquer uma das suas formas (heavy metal, death metal, trash metal, rap metal, etc.). Este facto, aparentemente limitador em alguém que adora música, torna esta escolha um facto notável. Na verdade, Led Zeppelin IV, Zoso, ou simplesmente IV, é um dos discos mais influentes para qualquer banda de metal que se preze. Vejamos as razões que conduziram à minha escolha.

Se é verdade que o início do disco é rock'n'roll em estado puro (Black Dog e Rock and Roll), os temas seguintes são de uma versatilidade invulgar para o início dos anos 70. À semelhança de outros, também eu considero que os anos 70 são, grosso modo, a pior década da música popular, até porque os momentos de criatividade genial da segunda parte da década de 60 teriam, inevitavelmente, de descambar numa longa ressaca. Por isso mesmo, o trinado do bandolim da terceira faixa, The Battle of Evermore, mostra uns Led Zeppelin completamente transfigurados, falando do Príncipe da Paz, da Rainha da Luz e dos anjos de Avalon. Lírico. Místico. A participação da sacerdotisa Sandy Denny completa o quadro onírico.

Mas é evidentemente Stairway to Heaven que marca o álbum. Oito minutos para a história. O tema justifica a razão pela qual os Led Zeppelin são uma banda que desafia categorização. A guitarra dedilhada e a flauta que abrem Stairway to Heaven são lentamente substituídas por um crescendo musical que culmina num debitar de energia típico da banda, mas que exige ouvidos menos conformistas e mais audazes. Se é verdade que qualquer estudante de guitarra clássica aprende aqueles acordes iniciais como uma forma de culto à banda, também não é menos verdade que muitos deles nunca chegam apreciar toda a intensidade de Stairway to Heaven devido a uma insuficiente versatilidade no domínio do tema.

A influência do blues rock em Led Zeppelin IV é notável e estende-se à maioria dos seus temas. Tal como acontece com os Doors, para quem o blues era o core da música, devidamente enquadrado na poesia de Jim Morrison, as orquestrações mais cuidadas dos Led Zeppelin não diluem a influência dos blues, assumidos do primeiro ao último momento em IV. A originalidade reside na mescla única da voz que desafia classificação de Robert Plant, a guitarra do virtuoso Jimmy Page e o ritmo poderoso imposto pela bateria de John Bonham e pelo baixo marcado de John Paul Jones. When the Levee Breaks é, sob esse aspecto, Zeppelin em estado puro: directo, confiante e arrebatador.

The Battle of Evermore (mp3)
When the Levee Breaks (mp3)

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1972. Pink Moon - Nick Drake

2008-10-10T22:23:00.001+01:00

As emoções escravizam a razão e retiram discernimento ao mais esclarecido dos intelectuais. Muitos génios musicais foram submetidos à ditadura das paixões, que os impulsionaram a compor obras para a eternidade. Outros, acometidos por depressões severas, caíram na obscuridade após a sua morte, para serem reconhecidos apenas por uma mão-cheia de almas gémeas.

Nick Drake morreu em 1974, aos 26 anos, de uma overdose (acidental?) de anti-depressivos, e quis o destino que este fosse o seu último álbum de originais. O disco exala uma tristeza e uma melancolia que resultam da utilização exclusiva de guitarra acústica e voz na maioria dos temas, acompanhadas ocasionalmente pelo piano. As melodias são simples, belas e plenas de sentimento. Reza a lenda que Drake gravou Pink Moon em duas sessões de 2 horas, iniciadas há meia-noite, sem recurso a takes alternativos. Neste particular, Pink Moon representa um contraste significativo com o disco anterior, Bryter Layter (1970), no qual Drake emprega orquestrações mais elaboradas, em particular uma luxuosa secção de cordas em Hazey Jane II, que os Belle and Sebastian certamente não desdenhariam.

Em Pink Moon, a duração é inversamente proporcional à intensidade da música. A voz de Nick Drake e a sua guitarra acústica uniram-se para criar uma obra-prima com apenas 28 minutos. Solidão, isolamento e alienação social são temas preponderantes em todos os trabalhos de Drake, mas atingem aqui a sua mais profunda e sentida expressão. Até o surrealismo da capa, fortemente influenciada por Salvador Dali, contribui para o ambiente de alienação, depressão e abandono presente no disco.

As múltiplas referências ao suicídio ao longo do álbum levam-nos a pensar que Drake desistia. Há momentos em que não vale a pena lutar; o vazio progride para nos engolir. Em Pink Moon:

"I saw it written and I saw it say
Pink moon is on its way
And none of you stand so tall
Pink moon gonna get you all
It's a pink moon it's a pink, pink, pink, pink, pink moon."

Em Harvest Breed:

"Falling fast and falling free you look to find a friend
Falling fast and falling free this could just be the end
Falling fast you stop to touch and kiss the flowers that bend
And you're ready now for the harvest breed."

A suavidade da voz de Drake e a instrumentação esparsa contribuem para esse vazio, e nem o final luminoso com From the Morning ajuda a retirar a Pink Moon o epíteto de “um dos álbuns mais melancólicos de sempre”.

Cada nota, cada palavra, cada silêncio. Um dos raros momentos em que a música me fez sentir frágil...

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1973. Head Hunters - Herbie Hancock

2008-10-05T23:22:00.001+01:00

Futurista é o mínimo que se pode dizer deste trabalho de Herbie Hancock, normalmente enquadrado no contexto do movimento de fusão jazz-rock do início dos anos 70. Sublinhe-se fusão jazz-rock (e não rock-jazz), porque a direcção do movimento é relevante na qualidade da música produzida. Quebrando fronteiras no domínio do jazz, muitos músicos com reputação estabelecida, como Miles Davis ou Herbie Hancock, enveredaram por sonoridades rock e funk, tingidas de influências exóticas, nomeadamente das Caraíbas, da América do Sul e de África.

No caso de Herbie Hancock, Head Hunters constitui uma abordagem radical a este movimento, pela utilização de múltiplos sintetizadores, marimbas e diversos instrumentos de percussão de raiz africana. O álbum é caracterizado por extensa improvisação, como é típico do jazz, mas a sonoridade original fornecida pela diversidade de instrumentos contribui para que essa improvisação soe mais a um delírio de funk alucinado do que um quinteto de standards de jazz.

É hoje plenamente reconhecido que os temas Chameleon e Watermelon Man foram o ponto de partida da carreira de muitos músicos actuais, como foram os casos de Jamiroquai ou US3. Mas a extensão do impacto de Head Hunters pode chegar até ao bem conhecido duo francês de música electrónica Air, como é visível no tema que encerra o álbum, Vein Melter.

Nota: Depois de quase 50 milhões de cópias vendidas, a escolha óbvia para 1973 era The Dark Side of the Moon dos Pink Floyd. Podem ler uma crítica a este disco aqui.

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1974. New Skin for the Old Ceremony - Leonard Cohen

2008-09-22T22:21:00.000+01:00

A maioria dos aficionados de Leonard Cohen dirá que esta é uma escolha estranha. Cohen tem vários discos excelentes, começando no final dos anos 60 (Songs of Leonard Cohen, 1967, Songs from a Room, 1969 e Songs of Love and Hate, 1970), passando pelos anos 80 (Various Positions, 1984 e I'm Your Man, 1988) e até ao início dos anos 90 (The Future, 1992). A escolha de New Skin for the Old Ceremony para 1974 prende-se com questões de humildade. Ser músico e ser humilde era coisa rara em 1974. A grandiosidade dos arranjos, os excessos da instrumentação, os sintetizadores vertiginosos dominavam os tops com os Pink Floyd, Genesis, Yes, entre muitos outros do mesmo género. O próprio Cohen teria um colapso do mesmo tipo com o embaraçoso Death of a Ladies Man, 1977.

Mas em New Skin, o prato servido pelo canadiano vintage tem uma receita muito mais simples. Temas curtos, instrumentos acústicos e a voz de Cohen a entoar poemas sobre amar, viver e deixar. Os inegáveis méritos de Cohen enquanto poeta romântico são realçados pela música que o acompanha. Aqui, como em mais lado nenhum, percebe-se imediatamente que as letras são escritas antes da música e ainda bem para todos nós! Na abertura de Is This What You Wanted, Cohen diz ao que vem:

"You were the promise at dawn,

I was the morning after.

You were Jesus Christ my Lord,

I was the money lender.

You were the sensitive woman,

I was the very reverend Freud.

You were the manual orgasm,

I was the dirty little boy."

Assim mesmo, sem meias palavras. Se é apreciador(a) de poesia vai deliciar-se com Chelsea Hotel, Field Commander Cohen, There is a War e, o meu favorito, Who By Fire. Estranhamente, foi Lover Lover Lover, aqui numa interpretação despojada, que me encaminhou para Leonard Cohen há já quase duas décadas, quando Ian McCulloch (vocalista dos Echo & The Bunnymen) gravou o tema a solo e o tornou um êxito indie dos meus 18 anos.

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

1975. Nighthawks at the Diner - Tom Waits

2008-09-11T23:06:00.000+01:00

Os alucinogénios alimentaram a produção literária de Huxley. Bukowski era incapaz de escrever uma linha sem a companhia da garrafa. O ópio era o motor do génio de Burroughs. E até os Beatles só foram verdadeiramente geniais com a ajuda do LSD e da Cannabis. A ideia recorrente de que a genialidade depende da ingestão em quantidades desmesuradas de substâncias aditivas incomoda-me. Desde que casei e adoptei um saudável horário de trabalho que a única substância que consumo em doses excessivas é a cafeína. Inspira-me a actividade científica e académica, mas temo que os resultados em termos de crítica musical sejam deprimentes, como o poderá comprovar esta crónica vazia de ideias.

Este intróito serve para manifestar a minha inveja pelo estado de embriaguez permanente de Tom Waits quando produziu esta obra magistral, gravada ao vivo em 1975, entre uma mão cheia de privilegiados, num estúdio em Hollywood, Califórnia. O ambiente no estúdio lembra-nos um piano bar fumarento, pintado com cortinas de veludo roxo e decorado com fregueses colados ao balcão, face a um empregado entediado pela ausência de gorjetas que compensem o diálogo mantido com as moscas de bar embriagadas.

Mas há sempre a possibilidade de eu estar enganado quanto a este ambiente. O título do disco – Nighthawks at the Diner – é inspirado pelo fabuloso quadro do pintor do realismo americano Edward Hopper. A representação da luz, a nostalgia da América passada e a separação entre o espaço interior, mais acolhedor, e o espaço exterior, mais hostil, ajudam a melhorar o imaginário que acompanha o disco de Waits. (A propósito de Hopper, se um dia ganhar o Euromilhões, compro um original.)

Depois há esse detalhe das canções. Ainda não falei delas. Piano e voz bastam a este crooner genial, que não necessita de exposição mediática para se fazer rodear por uma legião de admiradores. Mas a banda que o acompanha, torna todo este affair ainda mais apetecível, na linha de um excelente clube de jazz que não tem hora prevista de fecho. As longas explicações entre canções são momentos hilariantes, ao nível do melhor cómico de stand-up: “Conheço uma mulher que já casou tantas vezes que até tem marcas de arroz na cara.” Pois… para isso é preciso viver muito e de modo especial, mais ou menos a história de vida do músico. Tom Waits não precisa de elogios; precisa que o ouçamos a viver.

Nighthawks at the Diner (1942) by Edward Hopper

Impressões de Boston

2008-09-09T22:18:00.009+01:00

Para uma grande cidade americana, Boston é diferente do habitual. É mais antiga, mais compacta e, de certo modo, mais europeia. Depois de já ter estado nas "capitais da dispersão urbana" como Los Angeles, Atlanta ou Denver, posso afirmar que Boston é completamente distinta. As pessoas caminham mais do que é usual, as lojas são mais pequenas e os prédios têm pátios frontais decorados com flores e relva. Ao contrário de muitas outras cidades americanas, que se encontram divididas em zonas comerciais, industriais e residenciais, Boston possui bairros (Back Bay, South End, Beacon Hill, North End e, claro, Cambridge) onde os habitantes trabalham, estudam, comem e dormem sem serem necessárias grandes deslocações.

Para o visitante desprevenido, a maior dificuldade reside na noite. Boston é uma cidade muito escura, com iluminação pública deficiente e atravessada por becos estreitos e sinistros a lembrar o East End londrino dos tempos do estripador. Só "public alleys" são mais de 400 (!), a julgar pela numeração que os acompanha. Um amigo italiano que aqui vive há alguns anos diz que Boston é uma cidade gótica, talvez por lhe fazer lembrar as cidades alemãs de menor dimensão que ainda preservam arquitectura antiga.

Mau Tempo nos Açores

2008-09-03T23:48:00.000+01:00

Aqui estou eu de regresso, após uma longuíssima ausência em relação íntima com o Atlântico, primeiro nos Açores e depois em Boston. Mas já lá vamos...
Alguém me explica a razão pela qual a meteorologia do continente prevê, durante o ano inteiro, céu muito nublado e/ou chuva para os Açores? Tinha algumas suspeitas que essas previsões eram uma treta e os meus receios confirmaram-se. Estive uma semana nas ilhas da Terceira e do Faial e a única água doce com que tive que lidar foi a da piscina. Elevada humidade no ar, temperatura amena, sol... os Açores parecem um paraíso tropical. Só faltam mesmo as praias com areia branca e palmeiras. Até a água do mar é transparente como um vidro! Imagine-se até que eu, que cultivo a pele alva e uma certa aversão saudável ao sol, regressei semi-moreno!
Serão as previsões dos meteorologistas um truque para evitar excesso de procura? Ambas as ilhas são divinas e as cidades de Angra (Terceira) e Horta (Faial) são óptimos destinos turísticos, cada uma à sua maneira. Angra do Heroísmo é uma cidade organizada, limpa, com uma arquitectura encantadora, ou não fosse ela património da humanidade. Horta destaca-se pela hiper-movimentada marina, que domina toda a baía e é visível de qualquer local da cidade, que trepa pela encosta. Olhar para o fundo da marina e ser capaz de vislumbrar cardumes de peixe através da água límpida é surpreendente, tanto mais que se trata de uma das marinas mais cosmopolitas da Europa, ponto de passagem de milhares de embarcações provenientes dos quatro cantos do mundo. O peixe fresco, das mais variadíssimas espécies, cozinhado de múltiplas maneiras, a tenra e suculenta alcatra e os doces e sumarentos ananazes tornaram ainda estas férias numa experiência gastronómica cheia de pequenos prazeres.
Pela amostra, a região autónoma dos Açores é o mais próximo que Portugal possui de um paraíso tropical. O desenvolvimento sustentável que parece caracterizar a região, é indicador da excelente utilização da autonomia regional e permite manter uma ténue fé na classe política. Afinal, parece que nem todos os políticos destroem os territórios pelos quais são responsáveis...

Destino: Férias

2008-08-11T14:45:00.001+01:00

Roubado aqui

Ao contrário do que possa parecer ultimamente, este blogue também é dedicado a viagens. Com a chegada das férias foi necessário escolher o destino. Desta vez, inspirado em Vitorino Nemésio, o Piano adoptou o lema Vá para fora cá dentro, infinitamente superior ao Allgarve:

"Como homens, estamos soldados historicamente ao povo de onde viemos e enraizados pelo habitat a uns montes de lava que soltam da própria entranha uma substância que nos penetra. (...) A geografia, para nós, vale outro tanto como a história."

"Meio milénio de existência sobre tufos vulcânico, por baixo de nuvens que são asas e de bicharocos que são nuvens, é já uma carga respeitável de Tempo."

Vitorino Nemésio

1976. Sinfonia Nº 3, Op. 36 - Henryk Górecki

2008-08-09T23:35:00.001+01:00

Por esta altura, o leitor de blogues, mais rápido no gatilho do que a sua própria sombra, já fechou este blog. Ainda assim, para aqueles que ficaram, é devida uma explicação. São duzentas entradas sobre música ao longo de duzentos anos, pelo que em algum momento teríamos de começar a falar de "música clássica" ou, mais apropriadamente designada, música erudita.

Como explicar o que se sente ao ouvir a Sinfonia nº3, composta em 1976 pelo polaco Henryk Górecki? Uma tristeza infinita. Em linguagem popular, é uma obra capaz de fazer chorar as pedras da calçada e, talvez por isso, não seja adequada a todos os momentos. É preciso uma disposição especial, uma alma triste, para apreciar na plenitude esta peça.

O minimalismo harmónico que caracteriza toda a obra cria uma sensação de angústia sufocante, ampliada pela densidade na utilização de cordas e uma soprano única. No terceiro andamento, em particular entre os 9 e os 14 minutos, a repetição do mesmo tema, minuto após minuto, é uma experiência hipnótica inolvidável, colocando o ouvinte perante uma melodia semelhante a um loop interminável. (Nota: Para os conhecedores da obra de Current 93, Sleep Has His House, igualmente elegíaca e dedicada ao falecido pai de David Tibet tem uma estrutura semelhante.)

A sonoridade é fúnebre do início ao fim, ajustada aos poemas que constituem a secção lírica da obra. O primeiro andamento demora uns longos 28 minutos e inicia-se com um cânone para cordas em crescendo de intensidade. Por volta dos 13 minutos entra uma canção de lamento inspirada num poema polaco do século XV em que Maria, mãe de Jesus, expressa a sua angústia perante o filho às portas da morte e implora-lhe que partilhe com ela a sua dor. Após o final do poema lírico, o cânone para cordas regressa, desta vez decrescendo em intensidade até terminar numa única linha melódica igual à inicial.

O segundo andamento tem um registo Lento e Largo, soando ligeiramente menos fúnebre, embora o poema seja igualmente trágico. Trata-se de uma oração inscrita na parede de uma cela no quartel general da Gestapo na cidade de Zakopane (Polónia) por uma prisioneira polaca de 18 anos que solicita a protecção da Mãe do Céu. O poema do terceiro andamento retrata uma mãe que aguarda o regresso do seu filho da guerra. A mãe pressente que o filho morreu, mas a ausência do corpo agrava a sua angústia, temendo que o filho não descanse em paz.

Talvez seja surpreendente para os leitores, mas esta sinfonia é um best-seller, tendo vendido mais de um milhão de cópias e tornando-se uma das obras mais populares de um compositor do século XX. Apesar da tendência para interpretar o seu significado como ligado ao cristianismo ou para utilizar a sinfonia como homenagem às vítimas do Holocausto, o próprio Gorécki rejeitou estas interpretações mais restritas da obra, insistindo que se trata simplesmente de uma "sinfonia de canções tristes ou de lamentos" (subtítulo da obra: Symphony of Sorrowful Songs).

gorecki songs
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Referências:
Symphony Nº3, Op. 36 (Symphony of Sorrowful Songs)
Zofia Kilanowicz (Soprano); Polish National Radio Symphony Orchestra (Katowice); Antoni Wit (Director de Orquestra) Ed. Naxos 8.550822

http://en.wikipedia.org/wiki/Symphony_No._3_(G%C3%B3recki)

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

1977. Low - David Bowie

2008-08-06T18:07:00.001+01:00

David Bowie é conhecido pelo "camaleão" da música pop-rock, devido à sua capacidade para se reinventar tanto a nível musical como em termos de imagem. Uma dessas reinvenções, aquela que foi, na minha opinião, a mais marcante, ocorreu com Low gravado e editado em 1977. No ano anterior, Bowie havia lançado Station To Station, um álbum que indiciava uma crise de inspiração e fazia temer pela qualidade do seu sucessor.

Depois de muitas obras de música popular marcantes na década de 60 e no início da década de 70, em meados da década, a imagem começava a sobrepor-se à música. Com o disco e com o punk em extremos opostos, era mais importante a maneira como os músicos vestiam do que a música que faziam. Bowie fez precisamente o percurso inverso. Com uma imagem muito mais sóbria, a música toma aqui a "boca de cena".

Low é igualmente marcante pelas influências que vai gerar. Os Joy Division serão a face mais visível dessa influência, mas muitas outras bandas de finais de 70 e início de 80 utilizam os sintetizadores de uma forma semelhante. O disco alterna instrumentais com temas minimalmente cantados, o que representa uma novidade radical do próprio Bowie. Os temas mais relevantes são Sound and Vision (por ser o 'hit' do álbum), Always Crashing In The Same Car, A New Career In A New Town e Warszawa.

Bowie deslocou-se a Berlim para gravar este disco, tal como viria acontecer com os dois seguintes (Heroes e Lodger). O optimismo e os exageros musicais do início dos anos 70 dão aqui lugar a um disco revolucionariamente sóbrio. A electrónica exagerada do rock progressivo, que Bowie sempre rejeitou, é substituída por uma utilização sóbria, mas eficaz, dos sintetizadores, que valorizam a criação de ambientes e paisagens sonoras de uma beleza sem precedentes.

Sound and Vision ao vivo aqui: http://www.youtube.com/watch?v=GYEOlxcirX0

Esta crónica foi publicada originalmente na Rede 2020.

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

1978. Real Life - Magazine

2008-08-04T01:40:00.000+01:00

O disco estava no auge. É o ano em que os Boney M. lançam alguns dos seus vómitos mais famosos (Rivers of Babylon e Rasputin), Rod Stewart tem delírios em Do Ya Think I'm Sexy e os Village People editam o medonho YMCA. Nesta conjuntura altamente adversa à música, é difícil encontrar alguma coisa de jeito. Aliás, 1978 arrisca-se a ficar para a história como o pior ano de sempre em termos musicais. As poucas excepções são a estreia de Siouxsie and the Banshees com o álbum The Scream, o segundo álbum dos Japan de David Sylvian (Obscure Alternatives), The Man Machine dos Kraftwerk, e o absolutamente contra-corrente Sultans of Swing dos Dire Straits. Tirando estes momentos de brilhantismo, cada um no seu género, o resto é tudo muito, muito mau.

A minha escolha para ilustrar o ano de 1978 não é, pelas razões apontadas, do conhecimento geral. Os Magazine são a banda de Howard DeVoto (ex-Buzzcocks) e Barry Adamson (que viria a trabalhar com Nick Cave nos Bad Seeds) e praticavam uma mistura de punk-rock-new wave, se é que tal coisa alguma vez existiu. A electrónica está presente em doses saudáveis, mas não desfoca o que é central numa banda de rock. A estrutura dominante continua a ser a ligação baixo-bateria-guitarra eléctrica e as canções são directas e sem gordura. Os Magazine ainda são uma banda punk na atitude, mas já são new wave na expressão melódica.

Não alheios ao contexto da época, os Magazine editaram Shot By Both Sides como single, um tema muito marcadamente "punk", mas o legado de Real Life encontra-se mais na semente de mudança que lança do que propriamente no seu destaque no contexto da época. O disco é composto por nove temas, dos quais se destacam Definitive Gaze, My Tulpa e The Light Pours Out of Me. Há ainda um piscar de olho a David Bowie em Burst, um teclado a imitar um cravo do século XVIII em Motorcade e uma valsinha diabólica, que bem podia ter sido escrita pelos Bauhaus, em The Great Beautician in the Sky.

Em resumo, Real Life não é um grande álbum, mas é um disco que ouço regularmente, o que, numa colecção de dois milhares, já não significa pouco! O You Tube é a porta para o passado e aí encontrei duas preciosidades:
1. The Great Beautician in the Sky:

2. Definitive Gaze (numa versão adulteradíssima em relação ao original):

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1979. London Calling - The Clash

2008-08-01T18:29:00.000+01:00

Certo dia, no meu 8º ano, entra na minha sala um colega com um triplo álbum em vinil. Um triplo álbum?! Mas que banda teria semelhante coragem? Era Sandinista!, dos sempre corajosos The Clash. Corajosos a cobrar o preço de um vinil simples pelos seus duplos e triplos álbuns. Corajosos a assumir que o punk tinha começado em 1976 e acabado em 1977 e que o melhor era evoluir.

Nas festas de garagem dos meus 18 anos, London Calling, Spanish Bombs, The Guns of Brixton e Train in Vain eram temas de passagem obrigatória, numa altura em que a adolescência procuram viver o dia-a-dia despreocupadamente e sem expectativas em relação ao futuro. Pop, rock, reggae e ska dominam toda a obra, mas a mistura de géneros que os The Clash eram capazes de colocar em disco só atingiria o seu zénite em Sandinista!

London Calling é considerado pela generalidade dos críticos um disco perfeito. Na reedição que celebra os 25 anos do disco, a sempre exigente Pitchfork Media dá-lhe a pontuação perfeita (10.0). Na minha opinião, é o melhor disco feito por uma banda punk-rock (supostamente). Apresenta temas musicalmente fortes, sustentados numa fusão dos géneros pop, rock e reggae, e aborda os assuntos mais delicados no momento conturbado em que Margaret Thatcher assume o poder: desemprego, drogas, violência interracial e terrorismo independentista. É um excelente manifesto político, no qual a violência das letras se sobrepõe à suposta violência do punk. Em London Calling, os Clash transformam-se numa banda para quem a mensagem é mais importante do que o nihilismo do punk, e esse é, certamente, um sinal de inteligência.

The Clash - London Calling

The Clash - Rudie Can't Fail

The Clash - Train in a vain

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1980. Closer - Joy Division

2008-07-27T15:26:00.000+01:00

Sobre Closer (1980), Miguel Esteves Cardoso escreveu:

"Closer é limpidamente belo - tem a transparência silenciosa da solidão, sem nunca se transformar em auto-compaixão ou sentimentalismo. É o momento em que nos damos fé duma tristeza insolúvel, e da futilidade de a combater. Não há revolta - apenas um lento despertar, corajosamente assumido e aceitado. O encanto principal dos Joy Division não é o virtuosismo, ou sequer a criatividade da música - é, sobretudo, uma inesquecível sinceridade, despida de efeitos especiais, que se transmite, dir-se-ia por osmose sensível, a quem a ela se expõe." (publicado originalmente em O Jornal, 11 de Novembro de 1980)

Dois anos depois, o mesmo Miguel afirmava:

"E quem for até Closer logo verá estar parado num extremo, numa colina diante outra inalcançável imensidão. É o cabo da Roca do pequeno continente Pop."
(publicado originalmente em O Jornal, 8 de Abril de 1982)

O suicídio de Ian Curtis, 2 meses antes do lançamento póstumo de Closer, bastaria para eternizar o segundo e último disco de originais da banda, mas o conteúdo marcaria uma geração de músicos, tal como The Velvet Underground & Nico (o famoso álbum da "banana") havia feito nos anos 60. The Cure, Echo & The Bunnymen, Cocteau Twins, Dead Can Dance, The Pixies, e muitos, muitos outros têm uma dívida de gratidão e prestam homenagem aos Joy Division.

É difícil descrever por palavras algo que só pode ser sentido ouvindo a banda. A inacreditável batida hipnótica de Heart and Soul é um prenúncio da Madchester, do Ecstasy e do Apocalipse. The Eternal é o mais próximo que uma banda rock alguma vez esteve de compor uma marcha funébre. Passover é um passaporte (ou uma lente de aumento) para a depressão:

This is the crisis I knew had to come,
Destroying the balance I'd kept.
Doubting, unsettling and turning around,
Wondering what will come next.
Is this the role that you wanted to live?
I was foolish to ask for so much.
Without the protection and infancy's guard,
It all falls apart at first touch.

A última faixa - Decades - pega no David Bowie de Low (1977) e anuncia a mudança. É o prelúdio da sonoridade que os New Order tão bem iriam explorar durante os anos 80 e um débil assomo de luminosidade num disco mergulhado na escuridão.

Atrocity Exhibition – 6:06
Isolation – 2:53
Passover – 4:46
Colony – 3:55
A Means to an End – 4:07
Heart and Soul – 5:51
Twenty Four Hours – 4:26
The Eternal – 6:07
Decades – 6:10

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1981. Crumbling the Antiseptic Beauty - Felt

2008-07-25T23:10:00.000+01:00

Ao longo de um período de 10 anos, os Felt editaram 10 álbuns e 10 singles tornando-se conhecidos pelas melodias suaves, longos títulos e álbuns de reduzida extensão. Sobre a música, pode dizer-se que é o lado mais optimista do pós-punk urdido em torno da voz suave de Lawrence (sobrenome omitido), do baterista Gary Ainge, da guitarra eléctrica dedilhada de Maurice Deebank e do baixista Nick Gilbert. Crumbling the Antiseptic Beauty (1981) foi o primeiro disco dessa sequência e também um dos mais conseguidos em termos musicais.

Quanto aos longos títulos, os Felt editaram álbuns com nomes tão acessíveis como The Strange Idols Pattern and Other Short Stories (1984), Let the Snakes Crinkle Their Heads to Death (1986) ou Forever Breathes the Lonely Word (1986). Ironicamente, as extensão dos títulos contrasta com a minúscula duração das obras. O representante de 1981 tem 29 minutos e constitui apenas um exemplo da avareza dos elementos da banda no processo criativo.
Em contraste com essa forretice, a sonoridade é aveludada, quase luxuriante, apesar da simplicidade dos instrumentos utilizados. Para isso contribuem a percussão quase tribal presente em muitos temas e certamente herdada do estilo Moe Tucker (Velvet Underground) e a guitarra electrica dedilhada suavemente.

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Felt - Primitive Painters

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

1982. The Sky's Gone Out - Bauhaus

2008-07-22T22:09:00.002+01:00

Nunca houve uma banda igual. Muitos tentaram imitá-los, mas sempre com resultados patéticos. Apesar do que muita gente possa afirmar, The Sky's Gone Out é um excelente álbum, de uma banda incapaz de fazer qualquer coisa de mau. Ok, talvez In the Flat Field (1980) e Mask (1981) sejam discos mais coerentes e musicalmente conseguidos, mas The Sky's Gone Out foi o primeiro que ouvi. Por isso mesmo, foi também o mais marcante.

A abertura com Third Uncle, escrita por Brian Eno, debita energia e uma batida invulgarmente pop. Ouvir Spirit na mesma sequência de Rock the Casbah dos The Clash transporta-me para as festas loucas dos meus 17/18 anos, em que tudo era dançável... e possível!

Silent Hedges é Bauhaus em versão ameaçadora e enigmática: "Following the silent hedges / Needing some other kind of madness / Looking into purple eyes / Sadness at the corners / Works of art with a minimum of steel", com Peter Murphy a berrar "Going to hell again... again... again..." A mistura de guitarra acústica, letras sinistras e voz carismática cria o ambiente sonoro original que justifica o epíteto de inimitável.

O disco é igualmente conhecido pelos momentos de experimentalismo arrojado, como em Swing the Heartache, The Three Shadows ou Exquisite Corpse. Não é música comercial. Nada que possa ser ouvido regularmente nas estações de rádio de grande audiência, mas faz as delícias das rádios universitárias, sempre em busca de surpreender novos ouvintes com terrores nocturnos vindos do passado. Os Bauhaus não são apenas uma banda gótica; são A BANDA GÓTICA POR EXCELÊNCIA!

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

1983. Soul Mining - The The

2008-07-20T21:07:00.000+01:00

Para mim não é fácil escrever sobre a New Wave. Nunca fui grande fã de Talking Heads, Police ou Blondie. Dito muito simplesmente, passei directamente do punk dos Clash, Ramones ou Stranglers para o pós-punk de Joy Division, The Cure, Jesus & The Mary Chain, Cocteau Twins e Dead Can Dance. Talvez por essa razão seja difícil explicar o agrado com que, ainda hoje, ouço Soul Mining dos The The (aka Matt Johnson), editado em plena New Wave. Desde o primeiro momento da batida infecciosa de I've Been Waitin' For Tomorrow (All of My Life) se percebe que o primeiro longa duração dos The The é pop para a eternidade.

O próprio conceito de música pop é frequentemente empregue com um cunho pejorativo e preconceituoso, como significando algo que é, na sua essência, transiente. Acontece que, por vezes, há canções de música popular que escapam ao caixote do lixo do esquecimento, sobrevivendo muito para além do prazo de validade apontado. Neste disco há nem mais nem menos do que duas dessas pedras preciosas: This is the Day e Uncertain Smile. Não são apenas canções pop brilhantes; têm o selo da eternidade colocado pelas múltiplas passagens em discotecas celebrando os Anos 80.

O alucinante solo de piano de mais de 3 minutos em Uncertain Smile é obra do conhecidíssimo Jools Holland que, antes de apresentar programas de pop-rock na BBC, mostrava uma veia criativa para além do que o imaginávamos capaz. Ouçam e deliciem-se...

The The - Uncertain Smile

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1984. The Unforgettable Fire - U2

2008-07-16T22:06:00.001+01:00

Lançado em Setembro de 1984, The Unforgettable Fire foi o primeiro disco dos U2 que escutei. Recordo-me que foi no programa da Rádio Comercial TNT - Todos no Top que ouvi a primeira música dos U2, Bad, na sua versão ao vivo incluída no álbum Wide Awake in America. Achei estranhíssimo que uma música com mais de 8 minutos de duração passasse num programa comercial de rádio.

Depois da genialidade de The Joshua Tree ou Achtung Baby, do vanguardismo de Zooropa, da megalomania de Pop e das fraquezas de All That You Can Leave Behind, sabe bem voltar a um disco sem espinhas e sem adornos. The Unforgettable Fire é isso mesmo: um disco simples, directo, cheio de alma irlandesa. Os meus temas preferidos são A Sort of Homecoming, The Unforgettable Fire, Promenade e, claro, o já referido Bad. Enfim, os U2 em versão pré-electrónica e pré-América... para redescobrir.

U2 - Bad

1. A Sort Of Homecoming (5:29)
2. Pride (In The Name Of Love) (3:49)
3. Wire (4:19)
4. The Unforgettable Fire (4:55)
5. Promenade (2:32)
6. 4th Of July (2:15)
7. Bad (6:09)
8. Indian Summer Sky (4:18)
9. Elvis Presley and America (6:22)
10. MLK (2:32)

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Festival Marés Vivas

2008-07-13T15:30:00.006+01:00

Uma pausa no projecto dos 200 anos de música para recomendar o excelente cartaz do Festival Marés Vivas, a ter lugar no próximo fim-de-semana, na cidade em que nasci e vivi durante 18 anos (Vila Nova de Gaia). O Pedro, meu co-blogger do Sofa Station, vai todas as noites. Eu, só poderei estar presente na primeira, uma espécie de noite para "cotas"...

Uma oportunidade para rever Peter Murphy, de quem não esqueço o fabuloso concerto que deu no Festival do Sudoeste em 2003 e que coincidiu com a apresentação do álbum Dust. Naquele tempo, o vocalista dos Bauhaus optava por uma sonoridade com fortes influências do Médio Oriente e, em particular, da Turquia. Agora, independentemente das influências musicais, vale a pena ouvi-lo pela sua voz carismática. All Night Long, uma das minhas favoritas:

Quanto aos Sisters of Mercy, pensei até que já não existiam. Muito marcados pelos anos 80, imagino que toquem sobretudo os grandes êxitos, como Temple of Love, This Corrosion, More e Lucretia My Reflection.

Sisters of Mercy - Marian

Os outsiders desta primeira noite são os Shout Out Louds, uma banda que a publicidade OPTIMUSou. Tonight I Have to Leave It, uma espécie de pastiche dos The Cure, é a única que conheço:

1985. Seventh Dream of a Teenage Heaven - Love & Rockets

2008-07-10T18:22:00.000+01:00

Os Love and Rockets tocaram na passada sexta-feira na edição do Porto do Super Bock Super Rock. Embora construída sobre a reputação dos Bauhaus, a banda teve coragem de fazer algo substancialmente diferente no seu primeiro disco: Seventh Dream of a Teenage Heaven. Não é que não adore Bauhaus, mas criar uma banda para repetir a mesma fómula não teria resultado. Em lugar disso, as paisagens sonoras dos Love and Rockets aproximam-se mais do rock-'n'-roll convencional, embora sem perderem alguma da aura de mistério que sempre envolveu os Bauhaus. (Nota: o único ponto negativo é a capa do disco. Simplesmente horrorosa!)

As melodias oscilam entre o pop psicadélico (A Private Future) e o rock-'n'-roll contemporâneo à la Jesus and The Mary Chain (The Dog-End of Day Gone By). Apesar de mais acessíveis em termos melódicos, os Love and Rockets mantêm um saudável desprezo pelo mainstream musical. A desconcertante alternância entre tons maiores e menores, como acontece em Haunted When the Minutes Drag ou em A Private Future, contribui para deixar a mente perder-se primeiro para se reencontrar um pouco mais adiante. Alguns temas têm registos próximos dos 8 minutos, o que ajuda a considerá-los "impassáveis" na rádio.

O ambiente sonoro do tema título do álbum - Seventh Dream of a Teenage Heaven - é sinistro, claustrofóbico e circular, exactamente à medida das frustrações da adolescência. Por último, há o inacreditável Saudade, aparentemente inspirado pela mais famosa palavra portuguesa que é impossível de traduzir. A introdução de uma secção de cordas em Saudade é de tal modo surpreendente, que no final do disco dá vontade de voltar ao início e para saborear novamente toda aquela substância musical exótica até ao climax final.

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

1986. Your Funeral... My Trial - Nick Cave & The Bad Seeds

2008-07-07T22:25:00.002+01:00

Escrever sobre Nick Cave é uma tarefa difícil. Deixo isso para os profissionais. É um génio com a dimensão de um poeta maldito como Blake ou Baudelaire. Mas escrever duzentas entradas sem dedicar uma a Nick Cave seria quase um sacrilégio, sobretudo para quem, entre originais, ao vivo e bootlegs, tem mais de uma dúzia de cds do génio.

Your Funeral... My Trial é uma escolha óbvia. Devorado pela heroína, obcecado pela morte, ambivalente em relação à religião, Nick Cave é torturado por emoções como qualquer ser humano, mas numa intensidade elevada à infinita potência. Não é o melhor disco de Cave, mas está entre os melhores. Traduz a verdadeira personalidade do génio e ajuda a perceber porque razão os Birthday Party eram demasiado limitativos para a criatividade do seu front-man.

A primeira vez que ouvi The Carny, na actuação ao vivo em Der Himmel über Berlin (1987), fiquei com os cabelos em pé. O longo poema aterrorizador de personagens a caminho do inferno é acompanhado por uma charanga demoníaca, com pinceladas psicadélicas, com tudo bem regado pela voz ameaçadora do Blake do século XX. Tudo o resto é relativo quando comparado com este magnum opus. Os poemas de Jack's Shadow, Hard On For Love e Stranger Than Kindness são momentos igualmente inspirados. Este último foi escrito por Anita Lane, musicado por Blixa Bargeld e é cantado por Nick Cave. O labor destas almas trigémeas dá à luz um tema de beleza excepcional e cariz intemporal, como apenas os gigantes podem gerar.

Sou demasiado imperfeito para escrever sobre um génio. Aliás, é duvidoso que alguém consiga descrever por palavras, aquilo que só pode ser sentido através da combinação adequada de ouvidos apurados, mente em expansão e coração selvagem.

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

1987. Kiss Me Kiss Me Kiss Me - The Cure

2008-07-04T23:21:00.000+01:00

Comecei a ouvir The Cure aos 16 anos com este álbum. Embora Disintegration seja para mim o ponto mais alto da carreira da banda, foi com Kiss Me Kiss Me Kiss Me que comecei a conhecer e a amar The Cure. Haveria muitos anos, muitos discos e muitos temas para associar The Cure, mas este é o momento decisivo de mudança (para melhor, entenda-se) dos meus gostos musicais. Kiss Me Kiss Me Kiss Me foi lançado como duplo álbum de vinil, sem que isso se notasse na qualidade da música e das letras, o que indicia uma banda inspirada, em plena forma, e sem necessidade de compor música "para encher chouriços".

Para mim, como para tantos adolescentes dessa geração, Just Like Heaven representa o Amor inocente, intenso, repentino, que se ganha num momento e perde inexoravelmente no seguinte. A voz de Robert Smith é apaixonante, a melodia é arrebatada, o poema é perfeito. Sempre que ouço esta canção fico com pele de galinha! Não há meias palavras: Just Like Heaven é uma das melhores canções pop de todos os tempos!

A utilização abundante de sintetizadores, muitas vezes a lembrarem uma secção de cordas, contribui para um som mais preenchido que estava completamente ausente dos primeiros trabalhos originais da banda. Apesar de Just Like Heaven, Catch ou Why Can't I Be You? serem os temas mais conhecidos e assumidamente pop, o duplo-vinil acaba por transpirar uma certa esquizofrenia, incluindo temas na linha do introspectivo e pessimista Pornography como Torture, The Snakepit ou Fight. As relações amorosas são retratadas nas suas mais diversas formas: carnal (All I Want), espiritual (One More Time), sacrificial (Torture) ou surreal (Like Cockatoos).

The Cure - Just Like Heaven

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

1988. Daydream Nation - Sonic Youth

2008-07-03T22:20:00.002+01:00

Os Sonic Youth não eram exactamente novatos quando editaram Daydream Nation, o seu sexto álbum de originais. O trabalho de produção gerou uma sonoridade áspera, muito pouco "limpa", que colocou o disco num patamar único de originalidade, acima de toda a chusma de "bandas de guitarras" que pejavam o contexto musical do final da década de 1980. Muito do que os Nirvana ou os Smashing Pumpkins fizeram no início da década seguinte só pode ser encarado como um tributo a este álbum, como facilmente se percebe na influência que exerceram temas como Silver Rocket, Cross the Breeze ou Total Trash.

As referências a ícones da cultura pop são mais que muitas: Jimi Hendrix, Joni Mitchell, ZZ Top, Dinasour Jr., Andy Warhol, entre muitos outros, exercem uma influência nas letras, na música e até nos títulos das músicas (Hey Joni). A capa é memorável! Um quadro de Gerhard Richter intitulado Kerze (1983) imortaliza o momento: uma vela que não se apaga.

Ainda hoje, Daydream Nation não se "apaga". Teen Age Riot é o tema mais conhecido do álbum, quanto mais não seja porque constitui uma espécie de prólogo para Smells Like Teen Spirit dos Nirvana enquanto hino para uma geração de teenagers americanos. O destinatário da revolta é óbvio: a Reagan-nation de Daydream Nation. Os meus preferidos são Cross the Breeze, Candle e o experimentalíssimo Providence.

Sonic Youth - Teenage Riot

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

1989. Doolittle - Pixies

2008-07-01T21:18:00.000+01:00

Here Comes Your Man e Debaser eram as músicas que toda a gente dançava em 1989. Os Pixies influenciaram uma década e uma geração de músicos e Doolittle fez mais por isso do que qualquer outro álbum. Aqui há um pouco de tudo para todos: new wave (Here Comes Your Man), canções de amor tingidas de surf-pop (La La Love You), punk-rock (Mr. Grieves, Crackity Jones) e proto-grunge (I Bleed, Tame). O estilo musical é inconfundível, mas o género é inqualificável. As letras de Black Francis são estranhas, influenciadas pela Bíblia, pelo surrealismo e por uma drug-induced dementia com resultados excelentes e extravagantes. Nada como ouvir umas amostras para julgar.

The Pixies - Hey

Pixies - Here Comes Your Man

The Pixies - Gouge Away

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

1990. Aion - Dead Can Dance

2008-06-29T15:17:00.002+01:00

Os Dead Can Dance são frequentemente associados com um estilo musical conhecido como dark wave, que é manifestamente redutor para o alcance e diversidade da música praticada por este duo global: Lisa Gerrard vive na Austrália e Brendan Perry na Irlanda, encontrando-se ocasionalmente para gravar. A combinação da voz celestial e onírica de Lisa com a voz grave e etérea de Brendan, associada a uma grande quantidade de instrumentos acústicos e electrónicos converteu os Dead Can Dance numa das bandas mais amadas em todo o mundo, quer pelos críticos musicais, quer pelo público em geral.

Em Aion (1990), os Dead Can Dance transportam-nos para tempos antigos e música imemorial. Saltarello é uma dança instrumental de um compositor italiano anónimo do século XIV; The Song of Sybil é uma versão de um tema tradicional da Catalunha com raízes no século XVI; e a canção mais intensa é Fortune Presents Gifts Not According to the Book, com poema de Luis de Góngora, poeta e dramaturgo espanhol do final do século XVI conhecido pela corrente literária que gerou: o gongorismo. Toda a sonoridade é mística e misteriosa, com evidentes ligações ao folclore celta, às danças tradicionais italianas, ao canto gregoriano e à música barroca, com paisagens remotas a servirem de inspiração a toda a composição.

A capa do disco é um detalhe do "Jardim das Delícias" de Hieronymus Bosch é a cereja em cima de um bolo muito bem recheado. Outros discos excelentes dos Dead Can Dance são Within the Realm of a Dying Sun (1987), Into the Labyrinth (1993) e Toward the Within (1994).

DEAD CAN DANCE - Saltarello

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

1991. White Light From the Mouth of Infinity - Swans

2008-06-27T21:16:00.001+01:00

Na costa oeste dos EUA, vivia-se o ano do grunge. Pearl Jam, Alice in Chains, Soundgarden e, sobretudo, os Nirvana eram o centro das atenções. Um dos temas mais populares da década, Smell Like Teen Spirit, servia de hino de revolta a uma geração e conduzia os Nirvana a um ponto de não-retorno. Na América, Nevermind é o álbum de uma geração de revoltados contra o establishment do rock decadente dos Def Leppard, Motley Crue, Ratt e Poison. Tal como o punk no seu tempo, o grunge promoveu uma saudável "limpeza étnica" no seio da música popular. Tal como o punk no seu tempo, o grunge acabaria por cometer os mesmos excessos.

Mas na Costa Leste o tempo era de reinvenção. Os Swans de Michael Gira abandonavam uma das suas muitas peles e renasciam com White Light From the Mouth of Infinity. A voz de Gira é grave, profunda, e transpira arrogância. As letras manifestam revolta, egoísmo, desolação, isolamento e morte. A música alterna as melodias suaves com momentos de descarga sonora.

O álbum vale fundamentalmente pelo seu conjunto, pela forma como os temas estão encadeados e pela utilização de um vasto leque de instrumentos, dos quais se destaca a percussão poderosa, que contribui para uma textura musical sufocante. Os temas mais marcantes são, porventura, Love Will Save You, Miracle of Love, e Song For the Sun. O poema de Failure é o mais notável do disco e um dos mais impressionantes relatos do que a obsessão com um sucesso pode fazer para a destruição de um ser humano.

Em 1991 merecem ainda destaque os álbuns:

Yerself is Steam - Mercury Rev
The Orb's Adventures Beyond the Ultraworld - The Orb
Out of Time - REM
Trompe Le Monde - Pixies
Loveless - My Bloody Valentine
Achtung Baby - U2
Island - Current 93
On the Way Down From the Moon Palace - Lisa Germano

1992. Thunder Perfect Mind - Current 93

2008-06-25T22:02:00.000+01:00

Thunder Perfect Mind é o mais longo disco de originais dos Current 93, com quase 79 minutos de música, e um dos mais consistentes e articulados do início ao fim. É considerada uma obra-prima dentro do pouco divulgado género do folk apocalíptico, termo usado para descrever música à base de guitarra acústica sombria e letras melancólicas e depressivas. Os textos são notoriamente inspirados na poesia de William Blake e a música nos temas folk inglês de Shirley Collins. Embora a guitarra acústica seja predominante, há aspectos muito pouco convencionais neste disco. Os primeiros 30 minutos (9 faixas) são extremamente melódicos, marcados pela guitarra acústica e pela flauta gentilmente tocadas e pela voz do “outro mundo” de David Tibet. Os meus momentos favoritos são In the Heart of the Wood and What I Found There e A Lament For My Suzanne.

Este excelente disco de música folk muda significativamente de sonoridade a partir da faixa número 10, All the Stars are Dead Now. Inesperadamente, é aqui introduzido um sampler de Saint Louis Blues, um original dos anos 20, do swing e das big-bands. Simplesmente desconcertante. Mas nada prepara o ouvinte para o que se segue. Entra um repetitivo riff de guitarra acústica tocado até à náusea e acompanhado por Tibet a recitar um longo poema, de conteúdo largamente obscuro e ininterpretável, mas que, tanto quanto consigo compreender, é uma profecia sobre o apocalipse. O tom sinistro prossegue com Rosy Stars Tears From Heaven e a voz de Tibet, sinistra na faixa anterior, torna-se aqui simplesmente diabólica, ainda que sussuradamente diabólica.

Como a surpresa é, por vezes, a mãe da genialidade, When the May Rain Comes, uma versão de um original dos Sand, é lindíssima. Os instrumentos usados (baixo, flauta e guitarra) produzem uma sonoridade melódica e a interpretação pelo dueto David Tibet e Rose McDowall faz estragos na mais empedernida insensibilidade. Segue-se o tema título, Thunder Perfect Mind, um crescendo musical ameaçador acompanhado pela leitura de textos do livro homónimo.

Depois de 55 minutos de música deslumbrante, faltava um tema épico para atirar tudo o que é convencional pela janela. Hitler as Kalki dura 16 minutos e 28 segundos e é dedicado ao pai de David Tibet, já falecido, que combateu na II Guerra Mundial. O início é influenciado por música tradicional hindu, mas a peça musical transfigura-se lentamente numa espiral eléctrica, levemente tocada pelo minimalismo, com David Tibet a dissertar sobre Hitler e o apocalipse. No texto que acompanha o cd, Tibet explica-nos que algumas pessoas consideram que Hitler foi Kalki, a décima e última incarnação do Deus Hindu Vishnu, que vem num cavalo branco para destruir o cosmos no final de cada ciclo universal. Tibet incita à reflexão e à oração para que a destruição termine e um novo paraíso e uma nova Terra possam surgir.

Para além de ser um disco místico e experimental, Thunder Perfect Mind é também uma obra complexa sob o ponto de vista lírico. Já tentei interpretar muita da poesia contida nesta obra, mas as conclusões são pouco satisfatórias. Os conteúdos genéricos são o apocalipse, o arrependimento, a piedade e a salvação, mas qualquer interpretação imediata dos textos aqui contidos será, muito provavelmente, precipitada.

Ouvir A Sad Sadness Song

A minha crítica ao disco Thunder Perfect Mind apareceu publicada pela primeira vez na Rede 2020, Vol. 3, Nº5

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

1993. So Tonight That I Might See - Mazzy Star

2008-06-23T19:13:00.003+01:00

Este é um daqueles discos que passou despercebido. A sobriedade da capa, a diminuta visibilidade comercial da banda e a atitude algo despojada da música conduziram os Mazzy Star a um quase anonimato, do qual foram salvos pela impressionante voz de Hope Sandoval. A música oscila entre o psicadelismo dos Velvet Underground, a distorção de guitarras dos Jesus & The Mary Chain e o blues-rock dos Doors. Mas o papel da exótica e enigmática vocalista dos Mazzy Star é tão preponderante, que a música quase assume papel secundário sobre o qual desfila a voz de seda de Sandoval.

Fady Into You é quase celestial. Mary of Silence é de uma textura musical densa, a fazer lembrar os Velvet Underground na sua vertente mais negra. Blue Light é uma balada doce e espiritual. Into Dust é a voz lacónica de Hope Sandoval a pregar no deserto sobre uma guitarra dedilhada que impõe uma nostalgia avassaladora. Seria curioso descobrir o que inspira esta banda de culto que, após três discos excelentes, nada editou nos últimos 12 anos. Mas a personalidade esquiva e distante dos seus elementos impede qualquer vislumbrar de luz nesta paisagem sonora crepuscular.

Ouvir Into Dust

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

1994. Dummy - Portishead

2008-06-21T23:09:00.003+01:00

Os Portishead são um duo de Bristol, Inglaterra, e representam o apogeu de um género musical que ficou conhecido como trip-hop e que integra igualmente os Massive Attack e Tricky, só para mencionar os mais conhecidos fundadores.

A figura franzina de voz frágil é Beth Gibbons, mas a mensagem transmitida é poderosa. Dummy é um disco que me marca pela capacidade dos músicos em abdicarem da estrutura tradicional de uma "banda pop-rock" e apostarem no sampling, nos loops e no scratch para produzirem uma sonoridade original, associada a temáticas intemporais como o amor, o sonho, a verdade e a vida. Embora o disco tenha sido editado em 1994, foi só entre 1998 e 2001 que o ouvi centenas de vezes, uma por cada tarde que passava na Epitome Coffee House, em Tallahassee, a estudar para o meu doutoramento. Naquele local, caracterizado pela irreverência e inconformismo de um bando de não-alinhados na cultura americana dominante, era habitual ouvir Dead Can Dance, Blues Traveller ou Björk. Os Portishead também faziam parte do lote de escolhas do barista/dj de circunstância.

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

1995. Tindersticks II - Tindersticks

2008-06-20T22:07:00.002+01:00

O primeiro álbum homónimo dos Tindersticks foi lançado em 1993, tornando-se um sucesso junto da crítica e criando um fenómeno de culto que se propagou rapidamente. Por altura do segundo álbum homónimo, toda a crítica vaticinava o fiasco, segundo o princípio que quando uma banda atinge sucesso de forma fulgurante com o primeiro disco, limita-se a repetir a fórmula de sucesso no segundo. Neste caso, a crítica estava enganada.

Tindersticks II é um disco fenomenal. São 70 minutos de música perfeita, que utiliza luxuosas secções de cordas e combinações de acordes invulgares. Os enigmáticos sussurros de El Diablo en el Ojo, a decadência das relações amorosas em Talk To Me, a promiscuidade em No More Affairs, e o serrote de Vertrauen III proporcionam uma densidade musical única e de elevada intensidade poética e lírica. Juro-vos que, a certa altura, a voz de Stuart Staples a murmurar aquela poesia carregada de fina ironia, é veludo puro para os meus ouvidos.

Depois, há esse furacão chamado My Sister, que já ouvi seguramente mais de um milhar de vezes! Que mente lunática seria capaz de conceber tal peça de poesia? Um esquizofrénico, talvez… E quanta coragem é necessária para assumir 8 minutos e 15 segundos de banda sonora a uma história delirante sobre uma família que atrai todas as tragédias possíveis e imaginárias? Quem se lembraria de combinar baixo, guitarra acústica e bateria, com vibrafone, trombone, violoncelo e serrote? Se nunca ouviram My Sister, não conhecem a combinação perfeita de letra, música e voz. Podem ouvir alguns temas do álbum no site da banda.

1996. Beautiful Freak - Eels

2008-06-14T23:15:00.003+01:00

Para além dos bons momentos que passei a ouvir este álbum, há uma relação afectiva que se estabeleceu com os estranhos personagens de olhos arregalados que perpassam a arte da capa e do interior. A música é de uma ternura comovente, a começar pela suavidade instrumental que acompanha as letras emotivas e atormentadas de Mark Oliver Everett e a acabar nos nomes das canções Beautiful Freak e My Beloved Monster. Esta última é tão amorosa que acabou na banda sonora do filme Shrek. O grande êxito do álbum é Novocaine for the Soul, que podem ouvir aqui. Ali ao lado, toca outro excelente tema aqui mencionado: My Beloved Monster.

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

1997. Ladies and Gentlemen We Are Floating In Space - Spiritualized

2008-06-13T22:28:00.003+01:00

Variando entre o rock-'n'-roll puro e o rock cósmico de influência Pink Floyd, os Spiritualized de Jason Pierce sempre foram uma anomalia no panorama pop-rock britânico. Criticado pelo uso excessivo de instrumentação sinfónica (um dos álbuns inclui arranjos para uma sinfonia com mais de 100 músicos!), o líder e único membro permanente da banda é um caso raro de genialidade comercialmente reconhecida, com Ladies and Gentlemen We Are Floating In Space a bater os álbuns Ok Computer dos Radiohead e Urban Hymns dos Verve como álbum do ano de 1997 para o New Musical Express.

O título do álbum é retirado do livro de Jostein Gaarder, O Mundo de Sofia, e a sua aparência exterior e interior aproxima-se de uma caixa de medicamentos, incluindo substância activa, dose recomendada, efeitos secundários e contra-indicações. Ao longo de 70 minutos somos transportados para uma enorme variedade de sons, incluindo canções rock (Electricity e Come Together), temas românticos (I Think I'm in Love e Broken Heart), culminando numa peça épica, inebriante e atonal com 17 minutos de duração (Cop Shoot Cop).

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

1998. F # A # Infinity - Godspeed You Black Emperor!

2008-06-12T22:26:00.000+01:00

"The car is on fire/and there is no driver at the wheel". É com esta tirada lynchiana que se inicia o monólogo sinistro do magnífico álbum de estreia dos canadianos Godspeed You Black Emperor! Esqueçam tudo o que já ouviram nas vossas vidas. Este disco desafia todas as convenções musicais e apresenta o apocalipse em versão enigmática. Não existem canções ou temas no sentido canónico do termo e as faixas sucedem-se sem clara separação entre elas.

A produção cola discursos apocalípticos de pregadores de rua com loops intermináveis em Fá sustenido e Lá sustenido; daí o título do disco. O mais extraordinário é que esta obra é muito mais acessível do que aparenta à partida, muito por via dos arranjos orquestrais caracterizados por crescendos grandiosos e explosões sonoras controladas. Para um disco com mais de uma década, ainda é avançado para o nosso tempo, talvez porque o fim do mundo ainda não está próximo... Para ficarem com uma ideia do que é o álbum, podem ouvir (e ver) os primeiros 9 minutos:

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.
http://sendmedeadflowers.com/music/hungover.mp3

1999. The Fragile - Nine Inch Nails

2008-06-08T14:44:00.000+01:00

The Fragile é o momento mais alto da carreira dos Nine Inch Nails (NIN). É um duplo álbum denso, deprimente e com poucos pontos de luz: "she shines/in a world full of ugliness/she matters/when everything is meaningless". Até por definição, os NIN são uma banda pesada, mas, muitas vezes, a violência da música esconde a qualidade das letras. Em The Fragile, talvez pela maior textura atmosférica da instrumentação, as letras aparecem mais realçadas, permitindo um maior reconhecimento de Trent Reznor enquanto compositor. Os poemas curtos que acompanham quase todos os temas transmitem cinismo, desespero e ausência de esperança. Ouvir The Great Below.

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

2000. Felt Mountain - Goldfrapp

2008-06-05T22:01:00.005+01:00

A atmosfera etérea é proporcionada pela fusão entre a suavidade da electrónica, a batida do Trip-Hop e a voz de Alison Goldfrapp, plena de sedução. Não sendo um campeão de vendas, marcou o ano 2000 e representa bem a passagem do milénio, com as hesitações constantes entre a segurança do passado e a incerteza do mundo global futuro.

Projecto 200 anos de música. A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

Projecto 200 Anos de Música

2008-06-05T21:50:00.004+01:00

A ideia é simples. Ao longo de duzentas entradas, o Piano na Floresta vai listar duzentas obras musicais, uma por cada ano, iniciando a contagem decrescente a partir do ano 2000. Se tudo correr conforme planeado, será possível identificar um disco ou uma obra composta em cada um dos anos no intervalo entre o ano 1800 e o ano 2000. Não há limitações de género musical. A qualidade e a reputação da obra não constituem critério de escolha, embora se entenda que ela é, de algum modo, representativa do ano em questão.

Red Twilight

2008-05-30T22:29:00.005+01:00

A estética visual e sonora é dos anos 60. Ao vivo são arrasadores.

Coco Rosie: Surrealismo em Palco

2008-05-28T21:13:00.005+01:00

É sempre um prazer ser surpreendido. Ontem à noite, no Theatro Circo, Coco Rosie fizeram exactamente isso. A apresentação do 3º álbum, o sucessor de Noah's Ark, com o estranho título "The Adventures of Ghosthorse and Stillborn", foi coroada de sucesso, ainda que se verifique uma ligeira alteração na direcção musical da banda. A música é definida no sítio My Space como "Chinese Pop, Acappella, Drum and Bass", mas estes epítetos são demasiado redutores para tanta diversidade musical. As vozes de Sierra e Bianca oscilam entre o lírico e o "cana rachada", mas sempre de uma doçura comovente.

A combinação de instrumentos é invulgar. Para além dos convencionais piano e guitarra acústica, tudo o resto são formas excêntricas, deliciosamente excêntricas, de fazer música. Uma harpa, um telefone de brinquedo, vários samplers de animais e uma extraordinária "beatbox humana", ou seja, um MC que substitui a caixa de ritmos electrónica. Uma das principais diferenças em palco reside na projecção de filmes surrealistas ao longo de todo o concerto, com uma estética muito semelhante a "The Grandmother", a infâme curta-metragem do início da carreira de David Lynch. O conjunto da instalação - música, poesia e filme - demonstram uma criatividade e uma irreverência apaixonante. Confesso-me rendido.

Aqui fica Tekno Love Song, uma das minhas favoritas:

Plan 9 - From Outer Space (1959) by Ed Wood Jr.

2008-05-02T22:51:00.007+01:00

Todos nós já vimos filmes maus, daqueles em que nos arrependemos profundamente de ter entrado no cinema ou no clube de vídeo. No entanto, poucos assistimos a filmes maus por opção.

Plan 9 - From Outer Space é um filme tão mau, tão mau... que é bom! O narrador do filme oscila entre o kitsch e o creepy. Os discos voadores são pratos de cozinha suspensos por fios (pouco) transparentes. Os mortos vivos, erguidos do túmulo, imitam os movimentos de alguém a mexer-se numa sala completamente às escuras. Os extra-terrestres parecem demasiado... terrestres. Os efeitos sonoros assemelham-se à ventania que assobia nas esquinas dos edifícios. A interpretação de Bela Lugosi é demasiado breve para ultrapassar a deliciosa mediocridade em que o filme decorre.

Plan 9 é uma caldeirada hilariante, servida por aquele que muitos classificaram como o pior realizador de todos os tempos: Edward Wood Jr.

O PSD segundo Kandinsky

2008-04-26T00:16:00.003+01:00

Orange Violet (1935) by Wassily Kandinsky

4. Persona (1966) - Ingmar Bergman

2008-04-25T23:47:00.000+01:00

Persona é provavelmente um dos filmes mais "difíceis" que já vi. Para além da surreal sequência de abertura, que mistura uma crucifixão, uma tarântula, um pénis erecto, uma ovelha a ser abatida, excertos de filmes mudos e vários corpos inertes/mortos em camas de hospital, o filme é trespassado por uma aura misteriosa e demencial. Bergman não é um cineasta fácil. Já o sabia. Mas Persona é, de entre os objectos cinematográficos do autor, o mais intrigante.

Elizabeth Vogler (Liv Ullmann), uma actriz que interpreta o papel de Elektra numa peça deixa subitamente de falar e é internada num hospital. Alma (Bibi Andersson) é a enfermeira encarregue de cuidar de Elizabeth, acabando ambas por se instalarem numa casa de praia da directora do hospital. Ao longo do seu contacto, a enfermeira fala com Elizabeth como se ela fosse sua interlocutora e revela-lhe as suas experiência sexuais precoces e um aborto ocorrido na sequência de uma relação com um homem casado, entre outros sentimentos e emoções.

Após meses sem que Elizabeth pronuncie uma palavra, Alma oferece-se para depositar no correio a correspondência pessoal da actriz. Movida pela curiosidade, acaba por ler a carta dirigida à administradora, na qual Elizabeth afirma estudar em detalhe o comportamento da enfermeira. A partir deste momento, a personagem de Alma transfigura-se por completo, passando a expressar o seu ódio e desprezo pela actriz.

O aspecto mais complexo do filme reside no facto de, sobretudo após a leitura da carta, as personalidades de Elizabeth e Alma se confundirem, ao ponto de confundir o espectador sobre quem exerce a actividade profissional e quem é a paciente (um fenómeno designado de transferência em psicanálise). Mais do que isso, uma interpretação alternativa sugere que as duas personagens são uma só pessoa, sendo Elizabeth a pessoa "interior" e Alma a sua versão "exterior" ou "revelada". Várias cenas ao longo do filme contribuem para algum fundamento desta explicação.

Para mais informação e "interpretações alternativas" sobre Persona, aconselha-se a leitura do longo artigo em inglês na Wikipedia.

The Birth of a Nation (1915) - D. W. Griffith

2008-04-22T21:54:00.007+01:00

No passado dia 9 de Abril comemoraram-se 143 anos do fim da Guerra Civil Americana, tantos quantos nos separaram, no dia 14 de Abril, do assassinato do Presidente Abraham Lincoln. Foi com alguma dose de coragem que cometi a proeza de ver, sem interrupções, a versão original e integral (duração superior a 3 horas) de “O Nascimento de uma Nação” (The Birth of a Nation) (1915) de Douglas W. Griffith.

O filme encontra-se dividido em duas partes, iniciando-se com o dealbar da Guerra Civil, retratando o assassinato do Presidente Lincoln e culminando com o período da Reconstrução no pós-guerra. A história das famílias Cameron (do Sul) e Stoneman (do Norte) é contada sob a perspectiva da primeira, pelo que o filme está embebido de um racismo quase omnipresente, visível nos textos e nas representações caricatas nos negros, quase sempre associados a comportamento patetas e destituídos de significado racional. Nesse aspecto, o filme é quase obsceno para os dias de hoje, mas não deixa de ser um documento histórico, sobretudo no modo como retrata a visão transmitida pelos brancos colonizadores e pró-esclavagistas no tempo em que a acção decorre e mesmo no momento em que a obra foi realizada.

The Birth of a Nation é igualmente famoso pelo tratamento nobre que dá à Ku Klux Klan, retratando a organização como defensora da ordem e da democracia, contra a anarquia representada pela atribuição do poder aos negros no pós-Guerra Civil. No entanto, esta organização racista e segregacionista viria a ser responsável, ao longo dos seus mais de cem anos de existência, por centenas de episódios criminosos contra os negros do sul dos Estados Unidos.

Os meios utilizados são notáveis: 5000 cenas diferentes, 1357 planos individuais, 18000 actores e figurantes, 3000 cavalos e 7 meses de produção. Para compreenderem quão extraordinários são estes números, lembrem-se que o filme é considerado o primeiro grande épico do cinema mudo e foi realizado apenas três anos após o afundamento do Titanic! As notas da edição realçam igualmente que nenhum outro filme se pode gabar de um esforço tão gigantesco, sobretudo na actualidade, em que os meios digitais dispensam cada vez mais a presença do elemento humano nas cenas mais grandiosas.

Apesar das observações sobre a qualidade dos actores do cinema mudo serem, como é lógico, altamente subjectivas, não posso deixar de destacar a encantadora Lillian Gish. As suas expressões ternas e arrebatadas ainda hoje apaixonam e, correndo o risco de parecer ridículo, sinto-me enfeitiçado pelo seu desempenho. Tanto assim que já adquiri mais um par de filmes em que Lillian Gish é a actriz principal, também estes mudos e a preto-e-branco. O poder dos clássicos!

Diário Mali (2003)

2008-04-05T18:55:00.005+01:00

Não sei como é possível este disco ter-me passado ao lado. Diário Mali é uma colaboração de Ludovico Einaudi, um pianista italiano e do guitarrista Ballaké Sissoko, originário do Mali. Interpretações brilhantes, explorando diversos géneros músicais através do diálogo constante entre a guitarra acústica e o piano, transportam-nos mentalmente para as paisagens africanas dos nossos sonhos e dos nossos filmes predilectos.

Altamente recomendado para amantes, sonhadores e outros exploradores.

Belo Mundo

2008-02-17T15:18:00.005Z

Depois de 36 anos de vida e mais de um milhar de filmes, posso afirmar que já não fico impressionado com a maioria dos filmes que vejo. Não tendo sequer especial apreciação por romances históricos, foi com alguma surpresa que constatei que ainda me surpreendo com o trabalho de alguns realizadores.

A história inicia-se em 1607, com a chegada de três embarcações inglesas à costa da Virginia para iniciar a colonização daquela parte do continente americano e na expectativa de descobrir a passagem por ocidente para as Índias Orientais. O grupo de pouco mais de uma centena de colonizadores depara-se imediatamente com doenças e fome que dizimam quase por completo os habitantes do Forte de Jamestown. A relação entre os índios e os colonos é cheia de tensões e incompreensões, mas, apesar disso, é a amizade que se desenvolve entre a Princesa Pocahontas (filha do chefe da Tribo) e o capitão John Smith que permite que os colonos sejam salvos pelos mantimentos fornecidos pelos índios durante o longo e duro Inverno do primeiro ano. O resto do filme incide sobretudo na adaptação de Pocahontas ao modo de vida dos ingleses, bem como o seu casamento e constituição de família com John Rolfe.

O que mais me impressionou no filme foi a fidelidade da recriação histórica. Os índios das tribos Powhatan e Algonquin da Virginia são mesmo representados por descendentes de índios, as suas pinturas, cortes de cabelo e vestes são fiéis às dessas tribos, as embarcações inglesas são verdadeiras (emprestadas por um museu), as armas são reproduções fiéis utilizando os materiais usados naquele tempo, as construções das tendas e do forte obedecem à "tecnologia" da época e a linguagem e os rituais índios reflectem a cultura transmitida por via da tradição oral.

Por tudo isto, o filme é extraordinário, mas há alguns aspectos que o tornam ainda mais belo. A realização de Terrence Malick é prodigiosa. Para além de uma mise-en-scène excelente, a forma cuidada como a câmara é operada, os planos muito demorados, sem pressa de avançar para a cena seguinte, e a fotografia fantástica, tornam o filme um colírio para os olhos e para a alma de quem vê, isto apesar da visão algo negra dos seres humanos que perpassa grande parte da história. Conheço quem tenha achado o filme monótono, mas julgo que essa crítica se deve ao facto de não estarmos habituados a ver filmes comerciais americanos com um tratamento tão cuidado da imagem e da realização.

Hopper

2008-02-02T17:05:00.000Z

Se um dia ganhar o Euromilhões, compro um original de Edward Hopper. A representação da luz, a nostalgia de uma América passada e o ambiente misterioso que transmitem os seus quadros... fascinam-me.

Western Motel (1957) by Edward Hopper

O famoso Rach 3

2008-01-26T16:09:00.000Z

Como podem depreender pelo nome do blogue, o piano é o meu instrumento musical favorito. No contexto da chamada música clássica, o piano tem um conjunto variado de utilizações. Em primeiro lugar, pode ser utilizado individualmente, em sonatas (como em Beethoven, Brahms, Schubert, Prokofiev, etc.), nocturnos (Chopin, Fauré, Poulenc, etc.), prelúdios (Chopin, Rachmaninov) canções sem palavras (Mendelssohn) ou outras peças avulsas (Bartok, Grieg, Sibelius). O piano é também usado em conjunto com outro(s) instrumento(s), como é o caso das sonatas para violino e piano, quintetos (Schubert, Rimsky-Korsakov) ou sextetos (Glinka).

Mas, para mim, a utilização mais magnífica e genial do piano é no contexto dos concertos para piano e orquestra. Quase todos os grandes compositores produziram obras deste tipo, incluindo Beethoven, Tchaikovsky, Brahms, Chopin e Liszt entre os românticos ou Rachmaninov, Shostakovitch, Ravel ou Gershwin entre os pós-românticos.

De todos os concertos para piano e orquestra já compostos, nenhum atingiu a notoriedade do Concerto para Piano e Orquestra Nº3 em Ré menor, Op. 30 de Sergei Rachmaninov. Perdoe-se-me a comparação, mas o estatuto deste concerto assemelha-se a um tema de música rock, tal a controvérsia gerada. Entre os amantes do cinema, a peça é conhecida por ser o célebre tema de "Shine", um filme que conta a história dramática do pianista David Helfgott, um génio autista maltratado pelo pai e cujo grande desafio é interpretar ao piano o dito concerto.

Porém, o principal motivo para o estatuto da peça é o facto de ser considerada "impossível de tocar". Não será exactamente assim, mas digamos que nem todas as interpretações que podem encontrar em cd obedecem à partitura original escrita por Rachmaninoff, em particular pela não inclusão da cadenza Ossia, que nem o próprio compositor-pianista conseguia tocar. Para piorar as coisas, as composições para piano da autoria do compositor russo são conhecidas por exigirem mãos grandes (!), devido à quantidade de teclas abrangidas pelos acordes. Esta exigência coloca um obstáculo imediato às mulheres intérpretes e explica, em parte, as variações relativamente à partitura original. Ainda assim, estão disponíveis no You Tube interpretações brilhantes de Olga Kern e Martha Argerich, provavelmente a melhor pianista de sempre. A polémica é adensada pelo facto de Rachmaninov, ele próprio pianista, ter afirmado que a sua interpretação do tema por si composto estava longe de ser satisfatória, sobretudo após ter ficado maravilhado ao assistir à interpretação de Vladimir Horowitz em 1930.

No You Tube, esta situação dá origem a discussões acaloradas, por vezes a raiar o insulto, sobre quem é o melhor intérprete deste concerto. A coisa é tão doentia que, um internauta mais empenhado disponibilizou 12 interpretações não identificadas do início do 3º andamento, para que os defensores de uma particular interpretação pudessem testar os seus conhecimentos. Demorou mais de um mês para que todas as interpretações fossem correctamente identificadas.

A audição repetida 12 vezes de cerca de um minuto e meio é um pouco obsessiva e pode deixar-vos tontos, mas um ouvido treinado, que assumo não ter, detecta diferenças evidentes entre interpretações: diferenças de ritmo, notas mal dadas (mais frequente do que se pensa), determinação no ataque ao instrumento (um dos pianistas intérpretes é acusado de carniceiro num dos comentários) e, no limite, variação no grau de paixão colocado na interpretação.

Como é pouco provável que vocês queiram fazer o teste, deixo-vos com os links para o You Tube e a lista das 12 interpretações do Rach 3:
1-Alexis Weissenberg
2-Emil Gilels
3-Van Cliburn
4-Vladimir Horowitz
5-Martha Argerich
6-Arcadi Volodos
7-David Helfgott
8-Zoltán Kocsis
9-Vladimir Ashkenazy
10-Andrei Gavrilov
11-Jorge Bolet
12-Bart Berman
De todas as interpretações disponíveis no mercado, sou proprietário de apenas duas: Martha Argerich e André Watts (não está na lista).

Extra! Extra!

2008-01-25T00:06:00.000Z

Esta semana não perca no blog Sofa Station: A minha nomeação definitiva à luz da Public Choice

Toponímia Floridiana

2008-01-19T23:01:00.000Z

A toponímia portuguesa é, todos o sabemos, hilariante. Portugal é o único país do mundo em que se pode ir da Pica (Fafe) à Coina (perto de Setúbal) e parar em Venda de Raparigas (próximo de Leiria) para descansar.

Tendo passado anos a lidar com as bases de dados dos municípios da Florida, posso afirmar que não somos assim tão imaginativos. É verdade que os nomes dos lugares americanos sofreram influências muito variadas, nomeadamente dos nativos americanos, dos escravos provenientes de África e dos próprios europeus, que exportaram os nomes das suas cidades para as novas cidades que surgiram na América durante a colonização.

Para além da conhecida Nova Amsterdão (Nova York), podemos encontrar inúmeros exemplos de nomes de cidades que se repetem na Europa e nos Estados Unidos. No estado da Geórgia podemos encontrar as cidades de Rome, Athens, Dublin e Macon. Viajando para o Ohio, no midwest Americano, temos uma amostra mais impressionante: Aberdeen, Amsterdam, Antwerp, Berlin, Bremen, Dresden, Geneva, Genoa, Hanover, Lisbon, London, Madeira, Manchester, Milan, Montpellier, Parma, Sardinia e Toledo. Estes nomes são, pelo menos em parte, resultado da nacionalidade dos colonos que se instalaram nestes locais, mas demonstram alguma falta de imaginação no baptizar dos municípios.

Na Florida, a toponímia é muito mais fascinante para nós ocidentais, em larga medida por influência das tribos de nativos americanos, em particular, Seminoles e Osceola. Essa influência é bem visível em nomes como Apalachicola, Apopka, Chattahoochee, Ocoee, Okeechobee, Opa-Locka, Pahokee, Palatka ou Tallahassee. A influência europeia é menos notada, tendo apenas identificado as localidades de Dover, Dundee, Naples, Oviedo e Venice.

Por último, alguns habitantes da Florida moram em locais tão inspiradores como Anna Maria, Aventura, Bagdad, Boca Raton, Cinco Bayou, Clarcona, Hypoluxo, Kissimmee, Tampa, Pensacola ou Wauchula. Outros municípios têm nomes simplesmente cómicos quando traduzidos: Marathon ("Maratona"), Holiday ("Férias"), Frostproof (literalmente "À prova de gelo"), Fruitland Park ("Parque da Terra das Frutas"), Niceville ("Terra Simpática") e Lazy Lake ("Lago Preguiçoso").

Claro que a minha cidade preferida da Florida é Tavares, apelido de alguém que os leitores bem conhecem.

Vícios

2008-01-19T00:43:00.000Z

"Many a good man has been put under the bridge by a woman"

Henry Chinaski in Women by Charles Bukowski

Sofa Station

2008-01-11T22:26:00.000Z

O Pedro, a Cláudia e eu decidimos formar uma parceria bloguística sob o título Sofa Station. As razões para o nome variam segundo os participantes e só depois de concordarmos no nome é que percebemos os múltiplos significados da palavra "estação" em português.

O Sofa Station é um local de encontro de amigos que raramente se vêem, e por isso escolhem formato blog para trocarem ideias e manterem contacto entre si. Em português, a Estação do Sofá também é como as estações do ano: varia em termos de temperatura, clima e pressão atmosférica.

Para iniciar as hostilidades, escrevi uma entrada sobre a Lei nº37/2007, de 14 de Agosto, mais conhecida como "lei do tabaco". É o meu regresso às opiniões polémicas e temas fracturantes com o post Uma bacalhoada sem fumo, por favor. Já não escrevia assim desde o tempo do meu blog Angústias de um Professor...

Um Piano Erudito

2008-01-03T21:30:00.000Z

Comecei a ouvir música erudita no berço. Afirmam os meus pais que eu chorava ao ouvir o célebre "Adagio em Sol menor" (ouvir) de Tomaso Albinoni a tocar no gira-discos. Não me lembro disso, é claro; mas recordo os discos de vinil que o meu pai tocava quando eu tinha 7 ou 8 anos. As valsas da família Strauss, as sonatas para piano de Beethoven, os études de Chopin e as aberturas de óperas de Rossini e Wagner. É destas raízes que desponta o meu amor pela música, tanto como ouvinte como coleccionador.

Hoje em dia, a minha colecção conta com três centenas de cds de música erudita, incluindo todos os sub-géneros: barroco, clássico, romântico, pós-romântico e contemporâneo. É difícil identificar os meus compositores favoritos (são tantos!). Destaco dois de cada género: Vivaldi e Bach (período barroco), Mozart e Krommer (período clássico), Beethoven e Wagner (período romântico), Sibelius e Rachmaninoff (período pós-romântico) e Glass e Pärt (período contemporâneo).

Quanto às minhas peças favoritas, a escolha é uma tarefa "mastodôntica", mas aqui fica uma selecção abreviada, por período:

Período Barroco:
Adagio em Sol menor - Tomaso Albinoni (arranjo de Remo Giazotto)
Canon em Ré Maior - Johann Pachelbel (ouvir)

Período Clássico:
Requiem - Wolfgang A. Mozart (ouvir excerto)
Sinfonia nº39 - Wolfgang A. Mozart (ouvir Menuetto-3º andamento)
Concerto para Piano e Orquestra nº 20 em Ré menor K.466 - Wolfgang A. Mozart (ouvir excerto do Allegro-1º andamento)

Período Romântico:
Concerto para Trompete e Orquestra em Mi bemol Maior - Joseph Haydn (ouvir 3º andamento-Allegro)
Concerto para Piano e Orquestra nº 5 em Mi bemol Maior, Op. 73 - Ludwig Van Beethoven (ouvir excerto Rondo. Allegro.-3º andamento)
Sonata Nº 14 em Dó sustenido menor, Op. 27 nº2 "Moonlight" - Ludwig Van Beethoven (ouvir 3º andamento)
Quinteto em Lá Maior, D. 667 "A Truta" - Franz Schubert (ouvir 4º andamento)
Sheherazade (Suite Sinfónica), Op. 35 - Rimsky-Korsakov (ouvir excerto)
Abertura da ópera William Tell - Giacomo Rossini (ouvir excerto)
Abertura da ópera Tannhäuser - Richard Wagner (ouvir excerto)
A Morte de Siegfried e Marcha Fúnebre (da ópera O Crepúsculo dos Deuses) - Richard Wagner (ouvir)

Período Pós-Romântico:
Concerto para Piano e Orquestra nº 3 em Ré menor, Op. 30 - Sergei Rachmaninoff (ouvir excerto do 1º andamento)
Concerto para Piano e Orquestra nº 3, Sz 119 - Béla Bartók (ouvir Allegretto-1º andamento)
Concerto para Violino e Orquestra em Ré menor, Op. 47 - Jean Sibelius (ouvir Allegro Moderato-1º andamento)
Prelude à l'aprés midi d'un faune - Claude Debussy (ouvir)

Período Contemporâneo:
Sinfonia nº 3, Op.36 "Symphony of Sorrowful Songs" - Henryk Górecki (ouvir 3º andamento)
Spiegel Im Spiegel - Arvo Pärt (ouvir)
Fratres - Arvo Pärt (ouvir)
Different Trains - Steve Reich (ouvir excerto)
Short Ride in a Fast Machine - John Adams (ouvir)
Metamorfoses - Philip Glass (ouvir Metamorfose 2)

Feliz 2008!

2007-12-31T20:55:00.000Z

Um Piano na Floresta deseja a todos os seus leitores um feliz ano de 2008!